Muestra Fílmica del CUEC 2018
Amor, bullyng, diversidad sexual, conciencia social…
POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO
Ha llegado el momento de atestiguar otra etapa en la evolución del quehacer cinematográfico de nuestro país con la Muestra Fílmica del CUEC 2018, la cual consta de seis programas con cortometrajes de documental y ficción realizados recientemente por alumnos del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM y un largometraje del Programa de Óperas Primas en conjunto con el Instituto Mexicano de Cinematografía: La historia negra del cine mexicano, de Andrés García Franco.
Obligado es referir, para quienes aún no cuenten con este dato, que el CUEC es la escuela de cine más antigua de América Latina y una de las principales en la formación de cineastas, de donde egresan licenciados en Cinematografía y maestros en Cine Documental, quienes encuentran en reconocidos directores el ejemplo o motivación para seguir sus pasos.
Realizadores como Jorge Fons, Alfonso Cuarón, Emmanuel Lubezki, Mitl Valdez, María Novaro, Marcela Fernández Violante, Graciela Iturbide, Paulina Lavista, Carlos Markovich, Luis Estrada, Alejandro Gamboa, Fernando Eimbcke, Julián Hernández, Jaime Humberto Hermosillo, Alfredo Joskowicz y Ernesto Contreras pasaron por las aulas del CUEC y a lo largo de sus trayectorias han merecido diversos reconocimientos, tanto en México como en festivales internacionales, dejado su huella en la historia del cine.
Ernesto Contreras, también egresado del CUEC, recientemente fue galardonado por Sueño en otro idioma, con el cual ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Sundance 2017 y el Ariel 2018 por Mejor Película. La Universidad Nacional Autónoma de México asumió este triunfo como propio al igual que las otras cuatro estatuillas logradas por egresados y profesores de nuestra institución (Gaceta UNAM núm. 4969, 7 de junio de 2018).
El primer largometraje de Ernesto Contreras, Párpados Azules (2007), le llevó a la nominación para la Cámara de Oro en la edición 60 del Festival de Cannes. En 2010 estrenó el documental Seguir Siendo: Café Tacvba y en 2015 Las oscuras primaveras, filme que obtuvo tres premios Ariel y el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película y Mejor Actuación en el Festival Internacional de Cine de Miami.
Su ejemplo sirve para puntualizar la perseverancia y tenacidad de quienes se forman como cineastas en México, y encuentran en exhibiciones como la Muestra Fílmica del CUEC su primer escaparate para darse a conocer, recibir las opiniones positivas o adversas del público, así como de la crítica especializada.
En la FES Acatlán disfrutamos la Muestra Fílmica del CUEC desde 2011, cuando se presentó por primera vez en el Teatro Javier Barros Sierra. Desde ese año nuestra comunidad y público aledaño han sido testigos de los objetivos académicos del CUEC, de las inquietudes de quienes se especializan en la realización de cine de animación, de ficción y documental, diseño de sonido, producción, guión, montaje, dirección de fotografía y de arte.
En la edición 2018 se presentan 35 filmes, los cuales, a decir de los propios estudiantes del CUEC, se centran en temas como: amor, bullying, diversidad sexual y conciencia social. Les caracteriza la plena libertad creativa y el disfrute fílmico propio del periodo estudiantil, incluso con ejercicios atípicos donde participan tres directores, no obstante la dificultad que conlleva, pues es común que siempre se imponga la visión personal en la realización, aportando un estilo irreverente, intimista, sensorial, entre otros, pero ¿cuál es el resultado de tres modos de pensar?
Estos trabajos tienen un objetivo común: concluir un encargo fílmico como parte de un ciclo escolar, pero coinciden en ser retratos, desde diversas aristas, de la sociedad mexicana, compleja y multifacética, acorde con la visión de cada uno de estos cineastas o creativos que los acompañan en el proceso artístico.
También permiten distinguir el uso de las nuevas herramientas que aprovecha el cine a partir de la tecnología, con teléfonos celulares inteligentes, capturas de pantalla de computadora, relativa sencillez para la filmación con menores costos, pero que obliga a los estudiantes a hacer más atractivo cualquier material audiovisual que se precie de ser llamado cine.
Sin dudarlo resulta ampliamente recomendable destinar tiempo para ver los seis programas y descubrir en estos trabajos las expectativas a corto y mediano plazo para el cine mexicano, en la o las plataformas en que se lleguen a dar a conocer.
Se suma a nuestra comunidad una nueva generación de estudiantes, a quienes damos la bienvenida con esta primera actividad cinematográfica del semestre. A ellos, en particular, debemos decirles que el CUEC lleva 55 años de labor ininterrumpida encaminando el talento y creatividad de cineastas, por ello la importancia de observar con detenimiento, en la Muestra Fílmica del CUEC, los trabajos iniciales de quienes próximamente serán profesionales del cine.
Esta colaboración se publicó de manera impresa en agosto de 2018, edición 173 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.
por VICTORIA HERNÁNDEZ*
The Devil Wears Prada (El diablo viste a la moda, 2006) es un filme basado en el best seller homónimo escrito por Lauren Weisberger, quien se inspiró en sus experiencias como ayudante de la redactora en jefe de Vogue USA, Anna Wintour, para la creación de su novela.
Dirigida por David Frankel, narra la vida de Andrea Sachs (Anne Hathaway), una joven recién egresada de la universidad con aspiraciones de convertirse en periodista, quien en su búsqueda de oportunidades laborales consigue su primer trabajo como segunda asistente de Miranda Priestly (Meryl Streep), redactora en jefe de la revista de moda más importante del mundo: Runway.
Andrea se enfrenta a la difícil situación de equilibrar su vida personal con un trabajo por el que un millón de chicas matarían, el cual la obliga a lidiar con el carácter fuerte y demandante de su jefa, así como enfrentar discrepancias con la primera asistente de Miranda Priestly, Emily (Emily Blunt).
Han pasado más de 12 años de su estreno y este filme sigue siendo un referente cinematográfico e icono para referirse al mundo de la moda. Como espectadores, nos adentra en un espacio muy cerrado, desconocido y artístico, casi “mágico”, del mundo editorial de la moda.
Contó con uno de los vestuarios más caros de la historia del cine: aunque su presupuesto inicial era de 100 mil dólares, gracias a Patricia Field, estilista, diseñadora y encargada del vestuario, y a su amistad con otros diseñadores de renombre, consiguió el préstamo de lujosas y exclusivas piezas de firmas como Valentino, Chanel, Donna Karan y Prada, por ello el presupuesto final del guardarropa ascendió a más de un millón de dólares.
El filme incluye cameos de celebridades en la industria de la moda, como la supermodelo Gisel Bündchen, quien aceptó estar en la película siempre y cuando interpretara un papel distinto al de una modelo, así que aparece brevemente en la cinta como Serena, trabajadora en Runway y amiga de Emily. También participó la modelo argentina Inés Rivero en el papel de una clacker y el diseñador Valentino Garavani se interpretó a sí mismo en el Fashion Week París.
Parte fundamental de El diablo viste a la moda es la interpretación de Meryl Streep como Miranda Priestly. Por esta cinta la ya legendaria Streep estuvo nominada al Oscar por Mejor Actriz.
Muchos ignoran que estuvo cerca de no participar, ya que los honorarios ofrecidos en un principio eran insuficientes. Tras un acuerdo aceptable para ambas partes, ella se quedó con el papel.
No obstante que los productores tenían dudas respecto al uso de cabello blanco para el personaje de Miranda, se impuso la decisión de Meryl de aparecer con ese estilo platinado. Se pensaba que podría representarle más edad, pero su inspiración provino de los looks de la modelo Carmen Dell’Orefice y de Chistine Lagarde, directora del Fondo Monetario Internacional, así que estaba comprobado que sería de buen gusto.
También fue Streep quien impuso la frase “todas quieren ser nosotras”, pues sentía que Miranda representaba más el glamour, moda y trabajo. La frase original del guion era “todos quieren ser yo”; a los productores les fascinó el cambio.
Otro dato interesante es que Anne Hathaway no era la primera opción para interpretar el papel de la audaz Andrea Sachs, ya que la producción quería a la actriz Rachel McAdams para interpretar al personaje, pero ella se negó ya que no quería realizar tantos personajes “comerciales”.
El diablo viste a la moda marcó a una generación no sólo por la belleza de las prendas o la arquitectura en movimiento; también capturó emociones con las situaciones más convencionales que todos hemos pasado: presiones en el trabajo, rechazo por nuestra imagen, problemas de pareja, conflictos con los jefes y sus demandas de desempeño laboral, el quiebre de nuestros ideales y la lucha interna de lo que uno quiere conseguir. Nos llevó a crear una identificación con cada uno de los personajes y a convertirse en parte de nuestra vida diaria.
De esta cinta perduran frases como el repetirse “amo mi trabajo” cuando nos sentimos desesperad@s por el mismo; “los detalles de tu incompetencia no me interesan”, o el diálogo entre Andrea y Nigel (Stanley Tucci), donde Andrea dice que su vida personal pende de un hilo, a lo que Nigel responde: “Te estás uniendo al club, sucede cuando haces bien tu trabajo; avísame cuando toda tu vida esté arruinada, será el momento de un ascenso”.
El diablo viste a la moda se convirtió en una película de culto con una historia atemporal. Forma ya parte de la cultura pop que nos muestra la dualidad del mundo de la moda, desde su lado más frívolo y lujoso hasta el lado más humano, en donde nos pregunta constantemente: ¿qué está dispuesto a arriesgar y defender con tal de conseguir el éxito?
* (J. E. HERNÁNDEZ PIÑA)
Esta colaboración se publicó de manera impresa en mayo de 2018, edición 172 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.
POR VIANEY ARIADNA ÁLVAREZ MARTÍNEZ
Las elegidas (David Pablos, 2015) se basa en la idea del escritor Jorge Volpi a partir de los datos de una investigación periodística sobre Tenancingo, Tlaxcala, poblado rural identificado como la capital de la esclavitud sexual en México, la cual revela que uno de cada tres hombres en el lugar se dedica a ser proxeneta o “padrote”.
Mientras el texto de Jorge Volpi explora el potencial de la palabra escrita, la película dirigida por David Pablos, cineasta egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica, hace uso del lenguaje audiovisual. En esencia, ambas narraciones logran un retrato naturalista de la explotación sexual femenina en México.
La historia de Volpi está relatada de manera casi poética: estrofas y versos forman un capítulo completo del libro, que sin ser muy detallado permite entender la historia. Al leerlo se genera un ritmo que hace innecesaria mayor descripción para entender el sufrimiento de esas mujeres convertidas en sexoservidoras.
David Pablos tampoco precisa mostrar a Sofía, la joven protagonista, en cada uno de sus encuentros sexuales para conocer el dolor que esto le provoca; simplemente lo resume con esos sonidos que se vuelven más fuertes e intensos en la medida que entran los hombres al cuarto con Sofía.
Tanto en la película como en el libro las mujeres no están en la calle ofreciendo sus servicios: los hombres van a buscarlas a una casa donde les asignan una habitación y ahí deben “trabajar”. Los lectores pueden imaginar algún lugar en mal estado, sucio, descuidado, solamente con unos catres. Las locaciones del filme muestran la vivienda tal cual una casa “normal”, como si al interior de esas paredes no pasará nada extraordinario.
David Pablos se apropia de uno de los nombres del libro, Ulises, hijo de El Chino y conserva el apellido, Camargo, para mantener la referencia al texto de Volpi, sin embargo presenta una adaptación libre de esta historia, solamente toma ciertos fragmentos para exponer el tráfico de mujeres y ubica a los personajes en Tijuana, Baja California.
El cineasta sumerge al espectador en la relación amorosa de Ulises (Óscar Torres) y Sofía (Nancy Talamantes), adolescentes cuyo amor se ve fracturado cuando la verdad aflora: Ulises la ha conquistado para cumplir los planes de su clan, engancharla en la trata de personas, Sofía solamente será su primera víctima.
En la familia de Ulises los hombres enamoran a menores de edad, luego las manipulan para prostituirlas, las ponen a trabajar en una casa de citas y por las noches las trasladan a una vivienda donde son custodiadas hasta el siguiente día, en que las vuelven a llevar al “trabajo”.
Ulises carga con la culpa e intenta recuperar la libertad de Sofía para devolverla a su inocente vida, pero pronto se da cuenta de que no es nada fácil escapar de esa realidad, ambos deben seguir adelante, pues así lo marca el mundo en que están inmersos, el cual dicta que para mantener esa maquinaria económica los hombres deben seducir, manipular y anular a mujeres hasta esclavizarlas.
México lleva décadas enfrascado es esta situación y ahora incluso se percibe que la sociedad lo toma como algo “normal”, casi a diario salen notas en periódicos, televisión, radio o medios digitales que dan cuenta del rapto de jóvenes, hombres y mujeres, con una desaparición sin retorno.
Las elegidas expone esta herida abierta, pero no de manera explícita, llena de violencia o sometimiento; como lo reproduce el filme es perfectamente entendible todo lo que viven aquellas mujeres que son obligadas a ser sexoservidoras: el espectador bien puede imaginarse y, sobre todo, palpar el daño que esto causa en sus vidas.
El estreno de Las elegidas se llevó a cabo en la sección Una cierta mirada de la edición 68 del Festival Internacional de Cine de Cannes. Se proyectó en festivales como Zurich y San Sebastián, donde obtuvo críticas favorables, aunque no faltó quien se sintiera incómodo por ver en pantalla un fenómeno social vigente, de manera cruda, con altas dosis de deshumanización. Fue nominada en 13 categorías en los premios Ariel 2016 y ganó cuatro estatuillas por Mejor Director, Guión Original, Fotografía y Revelación Femenina.
Esta colaboración se publicó de manera impresa en mayo de 2018, edición 172 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.
Miércoles 23 de mayo
La princesa Mononoke
Director: Hayao Miyazaki.
Japón, 1997. 133 minutos
POR LETICIA URBINA ORDUÑA
Cada vez que uno de los cineastas de nacionalidad mexicana más consolidados en Hollywood –Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón o Guillermo del Toro– obtienen una nominación o algún premio, surge un orgullo nacionalista que daña, más que beneficia, la magnitud de sus logros.
Por supuesto que es válido alegrarse por el triunfo de los compatriotas, pero también es injusto pretender que su cine es mexicano. Ese supuesto los achica.
Seguramente algunos lectores estarán a punto de saltar de su asiento ante tal afirmación, que no pretende demeritar la propia nacionalidad; tampoco se busca sostener la versión que los trata de enmarcar en el cine estadounidense.
La falta de oportunidades empujó la migración de los dos primeros, mientras que Guilermo del Toro vive en Los Ángeles, no por gusto, sino tras el secuestro de su padre en 1998. Sobre este cineasta en particular y ante sus 13 nominaciones al Oscar se centra el presente artículo.
No puede decirse que el cine de un mexicano hecho en los Estados Unidos es cine chicano, pues ésta es una comunidad con particularidades históricas y culturales gestadas en el siglo XIX que se asume como una tercera nación respecto a las dos de origen. ¿Qué es entonces el cine de Guillermo del Toro?, para responderlo, hay que recordar algunos aspectos de su filmografía.
Desde que dirigía los capítulos de la serie televisiva La hora marcada (1988), dejaba ver ya la clase de temas y personajes que le interesaban, que conformarían un estilo muy personal de hacer cine: lo oscuro, lo monstruoso, lo fantástico.
Antes había estrenado dos cortos de horror: Doña Lupe (1986) –la historia de una casera a la que no le gusta lo que hacen sus inquilinos y decide tomar medidas– y Geometría (1987), cuyo protagonista pacta con el demonio a causa de sus pésimas calificaciones en esa disciplina. Cabe subrayar que cuando filmó el primero contaba apenas con 22 años.
De ahí en adelante desarrollaría una serie de personajes cuyas características son fantásticas y, al mismo tiempo, tremendamente humanas: por ejemplo Cronos (1993) representa la esperanza de una vida eterna, pero aderezada con elementos vampíricos y la obsesión del director por los objetos antiguos, a través del insecto mecánico hallado por el anticuario. Hay una referencia a la época de los conquistadores españoles, pues se supone que el objeto fue creado en el siglo XVI.
En Hellboy (2004) la referencia a un hecho histórico real está dada por la Segunda Guerra Mundial, cuando transcurre la trama, cuya mezcla de ciencia ficción y magia cuestiona la ambición fascista; El espinazo del diablo (2001) se sitúa en la Guerra Civil Española, al igual que El laberinto del fauno (2006).
En La forma del agua (2017), el contexto está dado por la Guerra Fría e involucra a las potencias de la época. Es ya muy claro que además de su innegable vocación por lo fantástico, Guillermo del Toro se ha anclado a la realidad social y política: en esta cinta critica racismo, la discriminación, el miedo a lo diferente.
Sin embargo, sus temas y preocupaciones no se centran en ningún país en particular, de hecho poco o nada tocan lo mexicano.
Hay quienes afirman que el cine del realizador tapatío es estadounidense, y si bien la mayoría de sus películas han sido hechas allá, tampoco puede aseverarse eso.
Los asuntos que le interesan tienen más que ver con la naturaleza humana que con un país u otro. Son los monstruos cotidianos –el empresario capaz de asesinar por alargar su vida, el militar franquista torturador, el despreciable científico racista– cuyo papel de seres normales queda cuestionado al confrontarse con sus seres fantásticos, muchas veces más sensibles que los humanos.
El cine de Guillermo del Toro es, por lo tanto, un cine universal; tratar de encasillarlo en una nacionalidad implica achicar su obra, reducir sus dimensiones, ponerle límites a una imaginación que parece inagotable. Reconocer su universalidad implica en cambio señalar el trabajo de este director como una aportación al cine mundial.
Esta colaboración se publicó de manera impresa en abril de 2018, edición 170 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.
¡Ven y canta los temas de tus películas favoritas!
El Centro Cultural Acatlán presenta un espectáculo cinematográfico basado en el Sing Alone, con una selección de números musicales de películas con subtítulos originales, entre las que se encuentran:
Titanic
Near, far, wherever you are
I believe that the heart does go on
Once more you open the door
And you’re here in my heart
And my heart will go on and on.
Ghost
Oh, my love, my darling,
I’ve hungered for your touch a long, lonely time,
Time goes by so slowly and time can do so much.
Are you still mine?
I need your love,
I need your love,
God speed your love to me.
La La Land
Climb these hills
I’m reaching for the heights
And chasing all the lights that shine
And when they let you down
You’ll get up off the ground
‘Cause morning rolls around
And it’s another day of sun.
Rocky Horror Picture Show
It’s astounding
Time is fleeting
Madness takes its toll
But listen closely
Not for very much longer
I’ve got to keep control.
Beetle Juice
Shake, shake, shake, Senora, shake your body line
Shake, shake, shake, Senora, shake it all the time
Work, work, work, Senora, work your body line
Work, work, work, Senora, work it all the time
Ferris Bueller’s Day Off
Well, shake it up, baby, now, (shake it up, baby)
Twist and shout. (twist and shout)
Cmon, cmon, cmon, cmon, baby, now, (come on baby)
Come on and work it all out. (work it all out!)
Mamma Mia
I don’t wanna talk
About the things we’ve gone through
Though it’s hurting me
Now it’s history
I’ve played all my cards
And that’s what you’ve done too
Nothing more to say
No more ace to play.
Grease
You’re the one that I want
You are the one I want
Oh, honey
The one that I want
You are the one I want
Oh, honey
The one that I want
You are the one I want
Oh, the one I need
Oh, yes indeed.
El objetivo es que los asistentes practiquen el idioma inglés, además de conocer diversos aspectos de la cinematografía internacional.
El musical se caracteriza por presentar personajes que abren su realidad para soñar cantando o manifestar una gama de sentimientos, entonando una melodía. Con este ejercicio el público, en un ambiente relajado, se sentirá motivado para expresarse cantando.
Teatro Javier Barros Sierra
Miércoles 18 de abril
12:00 y 17:00 horas
Boletos en taquilla del Centro Cultural Acatlán
Boletos
$20.00
POR JOSÉ ALFREDO FLORES ROCHA
Llega la 64 Muestra Internacional de Cine para deleite del público universitario, con lo más representativo de la cinematografía internacional.
La integran largometrajes de países tan diversos como Francia, Noruega, Portugal, Estados Unidos, Austria, Eslovaquia, Argentina, Dinamarca y México.
Destaca el rescate de Stalker (1979), obra icónica de ciencia ficción del cineasta soviético Andréi Tarkovski. Se presenta en su versión digital restaurada, por lo que es una extraordinaria oportunidad para que el público se acerque al trabajo de uno de los más grandes cineastas.
Nuestro país está muy bien representado por De la infancia (2009) -la cual permaneció poco más de 8 años enlatada-, de Carlos Carrera, reconocido, principalmente, por su cortometraje El héroe (1994) y por El crimen del padre Amaro (2002).
En la FES Acatlán se podrán ver otros 11 títulos, entre los que destacan cintas como Rostros y lugares (2017), documental con una gran dosis de diversión e irreverencia y que tiene como eje central el mostrar algunos de los sitios más emblemáticos del mundo, así como hablar de la amistad y el arte.
También está La maldición de Thelma (2017) de Joachim Trier, filme basado en géneros como el suspenso y el horror, bajo la óptica del cine nórdico.
Amante por un día (2017) de Philippe Garrel es, sin duda, uno de los más esperados, al evocar las películas filmadas en blanco y negro, retratando con gran nitidez una intensa relación amorosa.
El cine oriental está representado en la figura del director Hirokazu Kore-eda, considerado uno de los referentes más destacados del cine japonés contemporáneo. Participa con su primer thriller El tercer asesinato (2017).
Desde hace más de cuatro décadas, la Muestra es el evento fílmico más esperado por el público cinéfilo, un espacio donde se puede apreciar el cine de autor de calidad y que difícilmente puede ser apreciado en otras muestras, festivales o foros.
Espacio plural que se mantiene a contracorriente de modas y tendencias marcadas por el cine comercial.
Boletos en taquilla, media hora antes de cada función
$25 UNAM $50 general
Horarios:
11:30 . 13:30 . 18:30 horas
CARTELERA
Viernes 23 de marzo, 2018
LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS ( Hotaru no Hakaaka )
Dirección: IsaoTakahata. Japón, 1988, 93 minutos.
La tumba de las luciérnagas (1988) es un clásico de la animación de los Studio japoneses Ghibli, dramática historia de supervivencia de dos pequeños hermanos: Seita, un adolescente que trata de proteger a Setsuko de cuatro años, durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). La madre muere en un bombardeo, y ellos no pueden comunicarse con su padre, almirante de la marina japonesa, ambos se refugian en casa de una tía. La estancia con los familiares no sale del todo bien y se marchan a vivir solos en una cueva. Allí, malviven, la precariedad los lleva hasta morir de inanición.
Es considerada una de las mejores cintas de cine bélico, se caracteriza por no presentar violencia explícita. La película es profundamente conmovedora y trágica; no hay héroes, solo seres humanos que luchan por subsistir en un contexto hostil de pobreza, orfandad y violencia. Seita es el encargado de construir para Setsuko otra realidad amorosa, menos caótica y amable.
El espectador podrá disfrutar de momentos dramáticos con ayuda de la música y ruidos incidentales; la animación es desmesuradamente artística, ejemplo la escena donde Seita caza las luciérnagas para iluminar la cueva donde se refugia con su hermana.
Anime basado en la novela autobiográfica «Hotaru no Haka» publicada en 1967 por Akiyuki Nosaka
Teatro Javier Barros Sierra del Centro Cultural Acatlán
Funciones: 11:30, 13:30, 16:00 y 18:00 horas
Boletos en taquilla
UNAM $25.00
General $50.00
¡Ven y canta los temas de tus películas favoritas!
El Centro Cultural Acatlán presenta un espectáculo cinematográfico basado en el Sing Alone, con una selección de números musicales de películas con subtítulos originales, entre las que se encuentran Mamma Mia, Greace, La La Land y Across the Universe para que los asistentes practiquen el idioma inglés, además de conocer diversos aspectos de la cinematografía internacional.
El musical es un género que se caracteriza por presentar personajes que abren su relidad para soñar cantando o manifestar una gama de sentimientos, entonando una melodía. Con este ejercicio el público, en un ambiente relajado, se sentirá motivado para expresarse cantando.
Teatro Javier Barros Sierra
Miércoles 21 de marzo
11:00 y 17:00 horas
Boletos en taquilla del Centro Cultural Acatlán
Universitarios
$25.00
General
$50.00
CARTELERA DE CINE
TEATRO JAVIER BARROS SIERRA, CENTRO CULTURAL ACATLÁN
