Cine Adictos

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67 Muestra Internacional de Cine

POR  NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO *

La Muestra Internacional de Cine llega a su edición número 67 y la integran, como ya es tradicional, las películas con mayor número de premios y reconocimientos por parte de la crítica especializada en los festivales de cine más importantes del mundo.

Para fortuna del público cinéfilo, en la selección figuran varios de los grandes maestros del Séptimo Arte de Italia, Bélgica, Francia, Suiza, Dinamarca, Argelia, Reino Unido y México.

Con un filme de nuestro país inicia el ciclo: Esto no es Berlín, de Hari Sama y su particular manera de representar el México de los años 80, por medio de la historia de un estudiante de clase media “sateluco” que vive el underground aquella época. Destaca por los hechos autobiográficos y para el público de la FES Acatlán resultará especialmente atractivo ver como escenarios calles de Lomas Verdes y colegios aledaños, los cuales forman parte del entorno cotidiano, pero ambientados en el marco del Mundial de Futbol de 1986.

La versión restaurada de La dolce vita, del emblemático Federico Fellini, donde se da cuenta del choque de un escritor convertido en periodista, con la aburguesada, cosmopolita y hedonista Roma de la segunda mitad del siglo XX, resulta especialmente atractiva por la posibilidad de ver en pantalla grande una de las más grandes películas de la historia del cine. En 2020 se cumplirán los 100 años del nacimiento de Fellini, los homenajes están en puerta y este es el primer pretexto para sumarse al festejo.

El fundamentalismo religioso es abordado por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne en El joven Ahmed, con gran rigor técnico y economía narrativa, exponen la historia de un joven de 13 años de edad que defiende sus principios religiosos. Representa la continuidad de esta dupla de directores por seguir tratando los problemas sociales que predominan en Europa: migración, injusticias contra la clase trabajadora, conflictos religiosos, desigualdad y discriminación.

Los escándalos no cesan para la Iglesia católica por los abusos cometidos a menores de edad y su silencio hacia la pedofilia, por ello François Ozon se interesó en el caso real del sacerdote Bernard Preynat, acusado de abuso infantil entre 1986 y 1991. No obstante que existen otros filmes que también han retratado el encubrimiento eclesiástico, Por la gracia de Dios se centra en los sobrevivientes, sus vidas y exigencia de justicia.

Conexiones criminales en el “primer mundo”, un sentido moral de lealtad y de pertenencia, contundencia narrativa y pasión por la intensidad permiten al cine italiano fascinar nuevamente con una historia violenta, en este caso bajo la dirección de Matteo Garrone en El despertar de la fiera: Dogman, filme que permite conocer la vida de un apacible peluquero de perros que lleva a cabo una cruel venganza en contra de un boxeador.

Del mexicano Arturo Ripstein siempre se ha dicho que su cine forma parte de un universo muy personal, especialmente sórdido y decadente, para reiterarlo tenemos la oportunidad de ver El diablo entre las piernas, con la historia tóxica de una pareja de la tercera edad que a pesar del deterioro físico no pierde la pasión salvaje ni la obsesión por el celo, deseo y sexo.

Agnés Varda, cineasta recientemente fallecida, desmenuzó los procesos creativos de su trayectoria en una involuntaria despedida en el documental Varda por Agnès. Toma como punto de partida la constitución conceptual de su cinescritura y crea un relato compartido sobre la imaginación y la creación artística. Imperdible para los cinéfilos ver este viaje anecdótico con la maestra absoluta del cine francés.

El relato de una excéntrica unión entre la vida de cazadores de animales extintos, en particular a partir del descubrimiento del esqueleto de un mamut, y la futura revolución tecnológica en el campo de la genética, se muestra en el largometraje Génesis 2.0, de Christian Frei.

La cineasta danesa May el-Toukhy explora las dinámicas de poder en una familia mediante las tensiones que se generan por una relación sexual prohibida en Reina de corazones. En este filme se puede observar una relación incestuosa entre una mujer madura y su hijastro, con objeto de poner en duda conceptos como fidelidad, amor y moralidad relacionada con el deseo.

El velo islámico (hiyad) puede ser tan libre como represivo, todo depende de cómo se utilice, ello queda demostrado en Papicha: Niña hermosa, de Mounia Meddour, quien retrata la valentía de unas jóvenes que intentan encontrar su lugar en un mundo donde su vida peligra por el simple hecho de ser mujeres, en el contexto del angustioso clima de Argelia en la década de los años 90.

Si acaso es posible imaginar un escenario donde lo bello, lo caótico y lo bestial sean presentados al mismo tiempo para ser contemplados, el ejemplo perfecto es Ray & Liz, película autobiográfica que cuenta la historia de Ray, alcohólico solitario, y Liz, fumadora compulsiva, en un sucio departamento en Black Country. Sus dos hijos, Richard y Jason, crecieron a expensas de la negligencia paternal, del caos, de las horas perdidas en el televisor y del humo sofocante de miles de cigarrillos. Uno de ellos creció para ser cineasta y hacer esta película: Richard Billingham.

Tal vez el filme más complejo es Bacurau: tierra de nadie, de Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles. A partir de una historia futurista en un pequeño poblado de Brasil, estos directores recurren a la experimentación fílmica para ilustrar su espíritu de resistencia insurreccional; hacen patente su fe en un patrimonio cultural común y un arte sutil, con una buena dosis de ironía.

* Con información de la conferencia de prensa de la 67 Muestra Internacional de Cine.

Esta colaboración se publicó de manera impresa en noviembre de 2019, edición 186 del boletín informativo CineAdictos, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Categoría(s): Sin categoría

23º Tour de Cine Francés

La espera terminó

POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO

Ha llegado el momento de reencontrarnos con el cine de Francia, gracias a la siempre atinada selección de Cinemas Nueva Era, empresa que desde hace 23 años nos lleva a conocer lo más representativo y actual de la industria cinematográfica francesa.

En esta edición conoceremos el trabajo del director, productor y guionista Hugo Gélin (Francia, 1980- ), quien desde pequeño estuvo en contacto con el cine, pues es nieto de los actores Danièle Delorme y Daniel Gélin. Debutó con el cortometraje La Vie sans secret (2001) y en 2012 estrenó su primer largometraje Comme des frères, a la que le siguió Demain tout commence (2016).

En Un amor a segunda vista (2019) Gélin entrega una ingeniosa comedia romántica, mezcla de ciencia ficción, en la que no pasa por alto el manejo arbitrario del tiempo, así como la previsible estructura de encuentro, desencuentro y desenlace. Equilibra bien el humor y el romance con pinceladas de historieta futurista. Aquí, uno de los dos protagonistas lo pierde todo y al espectador le queda la pregunta ¿qué habría sido sin esas personas tan importantes en su vida?

La directora Jeanne Herry (Francia, 1941- ) también nació en una familia artística: es hija de la actriz Miou-Miou y el cantautor Julien Clerc. Estudió en el Conservatorio de París y en 2009 presentó su primer trabajo, el cortometraje Marcher, al que siguió el largometraje Elle l’adore (2014) y la dirección de uno de los capítulos de la afamada serie Dix pour cent (2016) en Netflix.

En buenas manos es el segundo largometraje de Jeanne Herry. Fue muy bien recibido por la crítica especializada y en febrero de este año estuvo nominada a siete premios César, incluyendo las categorías por Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Guion Original. El filme engloba el proceso de adopción, con suficientes descripciones de todos los que intervienen, como eslabones de una cadena humana que vigila el bien del bebé.

Anne Fontaine (Luxemburgo, 1959- ) se formó como bailarina y comenzó a interesarse en el cine en los años 80, cuando debutó como actriz. Incursionó por primera vez en la dirección con Les histories d’amour finissent mal…en général (1993). Después filmó Nettoyage à sec (1997), a la que siguieron: Nathalie X (2003), La fille de Monaco (2008) Coco avant Chanel (2009), Adore (2013), Gemma Bovery (2004) y Les innocentes (2016), las cuales han apuntalado su carrera.

En esta ocasión veremos su versión de Blancanieves, con el título Blanca como la nieve. En manos de Fontaine, vemos una deconstrucción novedosa y arriesgada, con el retrato de una mujer contemporánea, la que ahora se conoce como una millennial. Esta adaptación modifica la presencia de siete enanos por siete “príncipes” con todo y bosque, animalitos, manzana y otros referentes obligados.

Alexis Michalik (Francia, 1982- ) es actor, guionista y director. Comenzó su carrera en teatro en 2001, con el papel de Romeo del clásico de Shakespeare, Romeo y Julieta. Luego de realizar varios trabajos en televisión debutó como director con el cortometraje Au Sol (2014), con el que obtuvo varios reconocimientos en festivales de cine internacional.

Cyrano mon amour es la ópera prima en largometraje de Michalik, en la que fusiona su amor por el teatro y el cine. En este filme destaca la vertiginosa sucesión, ritmo y diálogos acelerados que acompañan al público con un magistral movimiento de cámaras y montaje. Imperdible observar este retrato de las vicisitudes de lo efímero del teatro y la permanencia de una película; no debe pasarse por alto que al momento en que surgió Cyrano, también nacía el cine.

Rémi Bezançon (Francia, 1941- ) estudió en la Ecole Supérieure de Réalisation Audiovisuelle. Debutó como director de largometrajes con Ma vie en l’air (2005), pero no tuvo éxito. Volvió a la industria con Le premier jour du reste de ta vie (2008), una comedia bien aceptada sobre todo por el público joven. Más tarde entregó Un heureux événement (2011), Zarafa (2012) y Nos futures (2015).

El misterio del Sr. Pick representa la oportunidad de Rémi Bezançon para criticar a la élite intelectual encasillada en el “rigor” al que deben estar sometidos quienes logran un éxito literario, en contraparte con el permanente desprecio a escritores menores. Duda e intriga se apoderan del espectador, que busca conocer la verdad en esta historia, encontrar al “verdadero” autor de un libro exitoso. Lo mejor que podrá pasar después de verla es que al asistente le den ganas de leer.

Mikhaël Hers (Francia, 1975- ) estudió producción. Comenzó su carrera como cineasta dirigiendo el mediometrjae Charell, d’aprè (2006), a los que siguieron Primrose Hill (2007) y Montparnasse (2009). Después filmó los largometrajes Memory Lane (2010) y Ce sentiment de l’été (2015).

Amanda permitió a Mikhaël Hers destacar en el Festival Internacional de Cine de Venecia 2018. Con este filme muestra cómo la vida sigue a pesar de un trauma por actos terroristas y las nuevas circunstancias a las que se deben enfrentar las víctimas; cómo debe aflorar la esperanza en momentos de adversidad. Es una estremecedora historia que nos pondrá a pensar sobre cómo hubiéramos actuado estando en el lugar del protagonista.

Conoceremos el trabajo de Lisa Azuelos (Francia, 1965- ), directora, guionista y actriz, con más de dos décadas de experiencia como realizadora. Su ópera prima fue Cavalcade (2005) y suma un total de nueve filmes, entre los destacan Une rencontre (2014) y Dalida (2017).

En Mi niña, Lisa Azuelos presenta un retrato fantasioso de una relación casi perfecta entre una mamá y su hija, pero desde la perspectiva de una mujer moderna. A algunos les parecerá una historia llena de clichés, con escenas inconsistentes, pero finalmente no se debe perder de vista que explora la perspectiva de las madres de muchos jóvenes de esta época.

Luego de estos breves comentarios, solamente queda recodarles que, como público, ustedes son quienes deciden si una película les ha gustado o no, si es “buena” o “mala”. Toda crítica, por más profesional que pueda ser, siempre servirá de referencia, más no de elemento fundamental para una valoración propia de la obra cinematográfica.

 

 

 

 

 

 

Categoría(s): CARTELERA

POR CARMEN CANO GORDON

Resulta una agradable sorpresa en la cartelera la más reciente película de Juan José Campanella, El cuento de las comadrejas (2019), coproducción entre Argentina y España. Está clasificada como cine de arte, sí lo es, pero en cuanto a su género resulta difícil de clasificar o, más bien, parece inclasificable.

¿Es una comedia de humor negro?, ¿un thriller?, ¿un drama?, ¿una comedia romántica?, ¿de suspenso?, ¿una tragicomedia? Difícil encasillarla porque al final es todo eso y mucho más.

Con objeto de ayudarnos a entender lo que sucede en este filme resulta indispensable recurrir a la definición de Comadreja en el Diccionario de la Lengua Española, que refiere a: un mamífero carnicero nocturno de color pardo, muy perjudicial para las aves.

Seguramente así entenderemos mejor lo que sucede en la vieja y codiciada casona donde se desarrolla la historia de esta película, en la que continuamente uno de los personajes, Norberto, no deja de tirar a matar a las comadrejas, que intentan habitar el lugar donde se desarrolla la historia. Existe una analogía entre los cuatro habitantes y las comadrejas (animales y sus similares humanas). De no ser por Norberto las comadrejas seguramente tomarían el control.

El cuento de las comadrejas es un retrato social visto desde la perspectiva de una veterana actriz proveniente de la época dorada del cine argentino, un histrión en el ocaso de su vida, un guionista cinematográfico frustrado y un viejo director; todos ellos solían trabajar juntos y conviven bajo el mismo techo. Los interpretan Graciela Borges, Luis Brandoni, Marcos Mundstock y Óscar Martínez.

Atestiguamos un duelo actoral entre cuatro grandes histriones y una pareja de jóvenes actores: Clara Lago y Nicolás Fancella en los personajes de Bárbara y Francisco completan el elenco. Todos ellos muy bien dirigidos por el argentino Juan José Campanella, a quien recordamos especialmente por la aclamada El hijo de la novia (2001).

Campanella concibe El cuento de las comadrejas como un homenaje a su maestro José Martínez Suárez, autor de la cinta de culto Los muchachos de antes no usaban arsénico (1976), comedia negra que funcionó como sátira en los tiempos de la violenta dictadura argentina. Un tributo que Campanella hace a Suárez y lo pone de manifiesto en diversas entrevistas.

Los personajes mayores son cínicos, tramposos, perversos, adorables y están dispuestos a hacer lo imposible por conservar el mundo que han creado en su vieja mansión. La aparición de los dos jóvenes, que pretenden arrebatarles todo por lo que han luchado, hace que las cosas den un giro.

Los cuatro adultos, todos mayores de 70 años, son: Pedro (Luis Brandoni), actor mediano, ya retirado, confinado a una silla de ruedas debido a un accidente; Mara Ordaz (Graciela Borges), su esposa, la diva, quien fue una actriz conocida mundialmente, pero alejada de los reflectores, lo que la acongoja y entristece, aunque con ropa, peinados y adornos de su época de mayor brillo, procura parecerse a la persona que fue en tiempos de mayor gloria.

Norberto (interpretado de manera genial por Óscar Martínez), director de cine, también retirado, es el encargado de matar y ahuyentar toda clase de comadrejas, que se presentan con demasiada frecuencia por los alrededores; es el más sensato de los cuatro y, por último, Martín (Marcos Mundstock), quien fue guionista de Norberto y Mara, y se encarga de amenizarles la vida, poniendo la música de sus recuerdos, de sus tiempos de éxito.

Todos ellos se desenvuelven y conviven con gran facilidad, como peces en el agua, capoteando el temporal que se les presenta, a veces lento, otras como una vorágine que los rebasa, pero sin lograr que pierdan el equilibrio.

Inevitable es señalar que el argumento no es del todo original e imposible evitar el recuerdo de aquella laureada película que hoy es ya un clásico: Sunset Boulevard (El ocaso de una vida, 1976), ganadora del Oscar ese mismo año, donde Gloria Swanson interpretó a una gran diva, tan sobreactuada y grandilocuente como el papel lo exigía, actuación que le valió el Oscar por Mejor Actriz; William Holden fue el protagonista masculino, logrando también una encomiable actuación. La cinta la dirigió Billy Wilder, nominado al Oscar.

La casona donde viven los cuatro protagonistas es propiedad de Mara y su marido, aunque a él se le ha ocultado mañosamente que es copropietario para que pueda ser ella quien haga y deshaga, ordene y ejecute. Tanto Norberto como Martín llegaron a vivir con ellos por azahares del destino.

Como toda vivienda de época, que remite a las décadas de los años 50, 60 y 70, guarda en su interior muebles antiguos, tapices, gobelinos, espejos, lámparas, objetos de arte, cuadros de autores famosos, esculturas de gran valor estimativo para la diva, pero también real.

Los cuatro viven “contentos”, tranquilos, gozando de los beneficios que ofrece el lugar. Sostienen todo tipo de diálogos: algunos irónicos, otros mordaces, la mayoría festivos y una gran cantidad críticos. Como dice la publicidad del filme, son cuatro personajes cínicos, tramposos, perversos, adorables.

Todo camina en paz y sin demasiados tropiezos hasta que un día llegan en un automóvil, al filo del atardecer, Bárbara y Francisco, pareja de jóvenes aduladores y mal intencionados que dicen haberse extraviado y piden les permitan usar el teléfono.

Amablemente los dejan entrar, aunque les advierten que hay mala señal, pero insisten y así, como la humedad, van entronizándose en la casona y en la vida de los cuatro protagonistas.

A los jóvenes les gusta el lugar, se sienten bien acogidos y, cada vez con mayor frecuencia, tratan de convencer a Mara de que venda la propiedad, alegando que así podría obtener un buen dinero y su esposo recobraría la movilidad, incluso podrían viajar. También les “sugieren” que les den a Norberto y a Martín una indemnización para que abandonen la casa.

Todo esto lo van tramando los dos jóvenes, cada uno por su lado, adulando a la diva, trabajando su voluntad para que acepte vender la casa, siendo ellos quienes realicen la operación.

No se vale seguir contando la historia, menos hablar del desenlace, baste decir que se trata de una buena película que regala una muy agradable función. Salimos con buen sabor de boca, pues acaba siendo un filme con un sabroso toque romántico.

Esta colaboración se publicó de manera impresa en septiembre de 2019, edición 184 del boletín informativo CineAdictos, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.

Categoría(s): DE RODAJE EN RODAJE

Muestra Fílmica 2019

Adiós CUEC, bienvenida ENAC

POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO

El Centro Universitario de Estudios Cinematográ-ficos (CUEC) no existe más, su legado lo hereda la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC), creada formalmente a partir del 27 de marzo de 2019. Esta transformación seguramente conlleva más que el cambio de nombre y debería perseguir nuevos objetivos en la formación u optimización del cuerpo docente, encaminados a impulsar o fortalecer, desde otra óptica, la producción fílmica de los estudiantes.

El CUEC logró reconocimiento internacional por haber sido la escuela de cine más antigua de América Latina y formar, desde 1963, a importantes directores, entre los que destacan: Alfonso Cuarón, Emmanuel Lubezki, Jorge Fons, Jaime Humberto Hermosillo, Mitl Valdez Salazar, María Novaro, Marcela Fernández Violante, Graciela Iturbide, Paulina Lavista, Carlos Markovich, Luis Estrada, Alejandro Gamboa, Fernando Eimbcke, Julián Hernández, Alfredo Joskowicz, Ernesto Contreras y Carlos Bolado, entre muchos otros.

Todos ellos, luego de pasar por las aulas del CUEC, lograron consolidar sus trayectorias profesionales, dejando su propia huella en la historia del cine. A muchos se les conoció por primera vez en la muestra fílmica que, desde 1986, organizó el CUEC cada año y de manera ininterrumpida, para someter al escrutinio público los trabajos realizados por sus estudiantes, como parte de un proceso académico.

La selección de corto y largometrajes que ahora se presenta como la Muestra Fílmica 2019 en realidad es un evento de divulgación de los últimos trabajos realizados por estudiantes matriculados por el CUEC; será hasta la siguiente edición que podremos ser testigos de los filmes realizados bajo el sello o estilo de la ENAC.

Para 2020 podríamos esperar algo distinto, pues más allá del cambio formal de nombre, el objetivo con este tipo de modificaciones, en el seno del Consejo Universitario de la UNAM, es lograr modificaciones sustanciales en el plano académico, es decir, la formación de nuevos cuadros docentes, quienes incluso pueden ampliar sus perfiles como investigadores.

También se espera haya mayores o mejores ofertas para los aspirantes a estudiar cine; sería ideal los llegasen a especializar en el dominio del conocimiento humanístico, más allá de la innegable necesidad de motivarlos a innovar en una industria altamente tecnologizada.

Por ahora, les invitamos a prestar total atención a los siete programas que integran esta Muestra Fílmica 2019. Seguramente contaremos con la presencia de algunos de sus realizadores, quienes al final de las presentaciones participan en sesiones de preguntas y respuestas.

Los temas de los 39 cortometrajes y dos largometrajes se centran en los problemas actuales del país y las historias cotidianas de esta época. Permitirán a nuestra comunidad, así como público aledaño, ser testigos de las inquietudes de quienes se especializan en la realización de cine de ficción y documental.

Por supuesto, en ellos está inmerso el diseño de sonido, producción, guion, montaje, dirección de fotografía y de arte, pero en esta ocasión los organizadores han centrado su interés en mostrar resultados en los dos géneros que más ocupan a los cineastas en formación.

Destaca El sembrador, tesis fílmica de Licenciatura, galardonada en la decimosexta edición del Festival Internacional de Cine de Morelia con los premios: del Público a Largometraje Documental Mexicano, Documental Realizado por una Mujer y Guerrero de la Prensa a Largometraje Documental Mexicano.

El sembrador también obtuvo mención honorífica en el Premio José Rovirosa 2018 (organizado por la Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM) en la categoría de Mejor Documental Estudiantil.

Bienvenidos nuevos estudiantes de la FES Acatlán a quienes recibimos con esta primera actividad cinematográfica del semestre. Al público en general le reiteramos que, la ahora ENAC, suma más 55 años de labor ininterrumpida encaminando el talento y creatividad de cineastas, por ello la importancia de observar con detenimiento, en la Muestra Fílmica 2019, los trabajos iniciales de quienes darán mucho de qué habar en el cine nacional e internacional.

 

 

 

 

 

 

Categoría(s): Sin categoría

Almudena Carracedo visitó la FES Acatlán

POR KAREN EDITH PONCE RAMÍREZ Y ROGELIO RAMÍREZ ARAMBURU *

Ambulante Gira de Documentales 2019 estuvo presente en la Facultad de Estudios Superiores Acatlán y durante la proyección de El silencio de otros el equipo de CineAdictos tuvo la oportunidad de entrevistar a Almudena Carracedo, codirectora de este documental que ha obtenido el reconocimiento unánime de la crítica a nivel internacional.

Almudena Carracedo estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid, donde realizó una tesis doctoral sobre el cine fronterizo. Continuó su formación en la Escuela de Teatro, Cine y Televisión en la Universidad de California, en Los Ángeles. Durante su estadía desarrolló múltiples proyectos como Welcome, a Docu-Journey of Impressions (2002) y Made in L.A. (2007), que narra la lucha de tres mujeres latinoamericanas inmigrantes que trabajan en talleres textiles de Los Ángeles, California.

Durante años, el género documental ha sido el estilo narrativo de Almudena Carracedo y esto se debe a que desde un principio se dedicó a grabar luchas sociales para una organización de mujeres inmigrantes en Los Ángeles y porque además intenta generar un cambio social con sus fimes.

“Algo que me parece muy apasionante de este género es que los protagonistas son reales y eso tiene un poder muy fuerte en la audiencia […] El poder seguir la transformación de los personajes durante varios años, es lo que más me apasiona”, comentó la cineasta.

Su proyecto más reciente es El silencio de otros (2018), el cual acompaña a las víctimas del franquismo que continúan buscando justicia hasta nuestros días. Este filme fue codirigido con el productor estadounidense Robert Bahar.

Cabe anotar que el franquismo representa una ideología política impuesta por Francisco Franco (1892-1975), quien a partir de la guerra civil en 1936 y hasta su muerte estableció valores conservadores o nacionalistas en contra del comunismo en España.

Este periodo se caracterizó por miedo generalizado, represión política y social, control ideológico y moral, pobreza, carencia de libertades y derechos humanos, el cual afectó a hombres, mujeres y niños por igual.

En 2010, cuando se empezó a conocer sobre los bebés robados durante el régimen, Almudena Carracedo y Robert Bahar decidieron contar el legado del franquismo y estando en España se encontraron con la querella argentina, un movimiento social que investiga los casos de las víctimas y fue ahí donde encontraron la idea y motivo central de su documental: la búsqueda de justicia.

“El documental es mi evolución como persona en relación a este tema […] Hubo algo dentro de mí que me dolía, que me llamaba. Como que tenía una cuenta pendiente con el pasado de mi propio país”, reveló Almudena Carracedo.

El proyecto fue filmado a lo largo de siete años, con un total de 450 horas grabadas; sin embargo, el verdadero reto inició cuando se seleccionó el material definitivo, pues en año y medio se eligió el montaje presentado en los 95 minutos que dura la película.

La realizadora define al proceso del rodaje de tres formas diferentes: una experiencia agradable, porque trabajó en equipo con Robert Bahar; también duro, debido a la búsqueda de recursos para financiar el proyecto y la creación de la película; pero también satisfactorio al terminarla y ver que sí funcionaba.

Como parte de la filmación, ambos productores colaboraron en la querella argentina; esto ayudó a que se acercaran a las víctimas y ellas se involucraran más con los cineastas, facilitando así su participación en pantalla.

“Comenzamos a colaborar con el movimiento de memoria histórica que estaba iniciando con la querella argentina, por tanto, ellos nos eligieron a nosotros igual que nosotros a ellos. Se estaban organizando y nosotros comenzamos a grabar a una serie de personas que estaba trabajando en ese proceso”, recordó.

El silencio de otros, con un estilo directo e intimista, se ha convertido en la voz más poderosa de los protagonistas, pues al ponerse delante de la cámara y contar estas historias, transmiten responsabilidad y generosidad, valores que los ha llevado a seguir luchando toda su vida.

Una de las historias que se presentan es la de María Martín, quien tenía seis años cuando la separaron de su madre, Faustina López. En 1936, junto con 27 hombres y tres mujeres, a Faustina se la llevaron por no tener el dinero que le habían pedido. Sus restos fueron enterrados en una fosa común bajo una carretera tras ser asesinada y María Martín falleció en 2014 sin poder recuperarlos.

Para Almudena Carracedo y Robert Bahar este documental significó todo un desafío y una gran responsabilidad, ya que no podían defraudar a toda la gente que colaboró con ellos.

“Cada uno de ellos tenía que representar algo grande. Desde el principio nosotros sabíamos que la película era más grande que nosotros, lo protagonistas también lo sabían. Esto simbolizaba algo más grande […] Están ahí representando a miles de personas y en homenaje a estas personas, no podíamos desfallecer”, declaró la también productora.

El silencio de otros se estrenó en la sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Berlín 2018, donde recibió el Premio del Público y el Premio de Cine por la Paz de la Fundación Heinrich Böll.

Ha recibido más de 30 premios a nivel nacional e internacional, incluyendo en 2019 el Premio Goya, el Premio Platino y el Premio Cinematográfico José María Forqué en la categoría a Mejor Película Documental.

“No esperábamos tan buen recibimiento; de hecho, cuando se inició con la película, todo el mundo decía ¿por qué hacen esto, si esto no le interesa a nadie?, pero lo bonito es que realmente sí le interesaba a mucha gente y no sólo a la gente en España sino a nivel internacional”, puntualizó Almudena Carracedo.

De igual forma, la Academia de Hollywood lo ha preseleccionó como uno de los 15 documentales en la shortlist para la nominación a Mejor Documental en la edición 91 de los Oscar.

Este filme se ha estrenado en 45 países, entre ellos Estados Unidos, Francia, Portugal, Brasil y Reino Unido, además de que ha participado en más de 100 festivales, incluyendo el festival mexicano Ambulante Gira de Documentales en la edición de 2019.

“Los reconocimientos son muy bonitos, […] ganar el Goya y el Platino, pero lo mejor es el reconocimiento de la gente, o sea, que a la audiencia le funcione, que le ayude a sentir, a pensar y entender. Generar una sensación dentro y decir tenemos que hacer algo. Ese es el verdadero premio”, expresó la cineasta.

A partir de su estreno ha sido bien recibida tanto por el público como por la crítica cinematográfica, ya que la gente conecta con la historia y con los protagonistas. Es por eso que utiliza al género documental, porque con esta herramienta puede conectarse con el corazón de la gente para observar este tipo de problemas, generando empatía y un cambio social.

Para Almudena Carracedo El silencio de otros ha significado el “gran monstruo” que ha comido su vida, ya que fue el proyecto que más tiempo le tomó realizar y terminar, además de que lo combinó con otra actividad: ella también es profesora de producción documental en la Universidad de Nueva York y en la Universidad de Alcalá enseña producción y dirección de documentales.

“Es difícil compaginar porque muchas veces hay que ir a grabar, pero tienes que dar clases o tienes que dar feedback a los cortes de las películas, pero es muy inspirador. Los estudiantes son muy inspiradores, tienen ideas nuevas y frescas. Es bonito cuando la gente tiene pasión por lo que hace, eso se contagia en las dos direcciones”.

Actualmente está dedicada completamente a la difusión del documental; sin embargo, adelantó que en el verano decidirá qué nuevo proyecto emprenderá.

Al finalizar la entrevista Almudena Carracedo dirigió un mensaje para toda la comunidad universitaria de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán:

“Mi consejo a las personas que trabajan en audiovisual o creando mensajes sociales a través del cine o del video, es la perseverancia, no aceptes un no por respuesta. Todo el mundo va a decir que no se puede, pero tú tienes que seguir luchando porque sí se puede, con mucho esfuerzo y sacrificio […] Estoy convencida de que los documentales pueden ayudar a transformar conciencias y pueden ser ese granito de arena que todos los días nos ayuda a ser mejores, sociedades más justas”.

* Karen Edith Ponce Ramírez y Rogelio Ramírez Aramburu realizan su Servicio Social en Promotoría Cultural.
Esta colaboración se publicó de manera impresa en junio de 2019, edición 182 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.
Categoría(s): Sin categoría

POR ANGÉLICA MEJÍA RAMÍREZ *

Pocas películas de animación combinan de manera tan prolija el lenguaje cinematográfico, la cultura y el amor como Kimi no Na wa (Makoto Shinkai, 2016), conocida en México como Tu nombre.

Cuenta la historia de Taki, joven estudiante radicado en Tokio, y Mitsuha, muchacha originaria de una pequeña provincia cuya familia es de tradiciones muy arraigadas. Tienen una relación muy peculiar que se debe descubrir durante el filme, vinculada a la trayectoria de un cometa milenario que se acercará a la Tierra.

La cultura es el eje central de esta historia. La forma en que se presentan los distintos símbolos japoneses guía la trama y aunque se trata de una película muy exitosa, pues superó en taquilla al El viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki y Kirk Wise, 2003), una de las más conocidas a nivel mundial, lo más destacable es la conexión que logró con el pueblo japonés.

Posee una gran carga de simbolismo sintoísta, religión nativa de Japón. Ejemplo de ello es la importancia que tiene en la historia el crepúsculo, ese momento del día en que se conocen el día y la noche, lo real y lo ficticio, lo conocido y lo desconocido, tiempo en el que la magia del filme sucede, pues la frontera entre el mundo de lo vivo y el hogar de los kami, figura que venera el sintoísmo, se difumina unos minutos.

Para el sintoísmo, cuando alguien muere el cuerpo se vuelve polvo, pero su espíritu se convierte en kami. La figura de los kami es relevante en la trama. Si bien estos seres, que han sido traducidos equivocadamente como “dioses”, no forman parte del conocimiento popular, para la población japonesa tradicional sí tiene sentido. Al resto de los espectadores los vuelve curiosos y los invita a empaparse de esta cultura, ya que incluso se han creado foros en línea para debatir sobre este tema.

Otro símbolo, probablemente el más conocido en occidente, es la cuerda roja del destino. La leyenda cuenta que los dioses atan una cuerda roja, invisible para los mortales, a las personas que están destinadas a encontrarse. El destino y el concepto de alma gemela son claves para los protagonistas de Tu nombre.

La banda sonora es una de las mejores del anime. A lo largo de la cinta se pueden escuchar piezas de cuerdas, piano y percusiones; unas con un enfoque religioso y otras de pop japonés a las que, si se pone atención, permiten esquematizar la trama.

Las canciones seleccionadas para Tu nombre encuadran, por sí solas, la historia; es decir, sirven para una narración musical, algo que muy probablemente identifiquen si se animan a ver esta película y ponen atención a la música. Seguramente lograrán una experiencia sensorial muy particular y que no es común con la mayoría de los largometrajes.

Sin duda se trata de una joya animada. Basta con ver unos cuantos fotogramas para observar el detalle con el que fueron dibujados los escenarios. Sombras, luces, colores, todo se integra en una excelente fotografía.

Además de destacados aspectos técnicos y carga simbólica, la historia que Makoto Shinkai cuenta es conmovedora; se trata de personajes carismáticos enmarcados por adecuados toques de comedia, giros inesperados que ganan para esta película una recomen-dación de “indispensable” y verla más de una vez.

* Angélica Mejía Ramírez realizó su Servicio Social en Promotoría Cultural.
Esta colaboración se publicó de manera impresa en mayo de 2019, edición 181 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.
Categoría(s): Sin categoría

POR KAREN EDITH PONCE RAMÍREZ *

A lo largo de 80 años, Bruce Wayne se ha caracterizado por ser el presidente multimillonario de las Empresas Wayne; sin embargo, es más probable que lo reconozcamos por su otra identidad, sí, nos referimos a Batman, el superhéroe enmascarado que lucha contra el mundo de la mafia y del crimen organizado en Ciudad Gótica.

Este personaje fue creado por el dibujante Bob Kane (1995-1998) y el escritor Bill Finger (1914-1974), quienes trabajaban en National Allied Publications, ahora mejor conocido como DC Comics.

La primera aparición de Batman fue en la portada de Detective Comics #27 (1939), donde rápidamente se posicionó como el superhéroe más amado de todos los tiempos. Con la aceptación del público, comenzó a incursionar en las pantallas chica y grande, hasta considerarse como uno de los íconos de la cultura popular.

Con el paso de los años ha sufrido incontables transformaciones e interpretaciones tanto en lo narrativo como en lo psicológico, pero también en su indispensable traje.

Desde su creación en los comics, su vestimenta se caracteriza por tener la forma de un murciélago para atemorizar a sus enemigos con el miedo más profundo de Bruce Wayne. También la combinación de azul y gris predominan en su traje, al igual que una elipse amarilla con el emblema del murciélago.

A pesar de que sus elementos más significativos: una capa festonada, máscara con orejas en forma de murciélago, el emblema en su pecho y el cinturón multiusos han permanecido contantes en cada adaptación, no dejan de variar en su forma o color.

En Batman: The movie (Leslie Martinson, 1966), protagonizada por Adam West (1928-2017), se puede observar que el director prácticamente respeta los colores establecidos por sus creadores; no obstante, presenta una variación en su logo que queda prácticamente a la altura del estómago. Cabe destacar que esta versión serviría como referencia para las adaptaciones en la pantalla chica.

Para finales de los años 80 llegó la película Batman (Tim Burton, 1989), donde este personaje luce completa-mente diferente al que se conocía en televisión. El encargado de darle vida a este personaje fue Michael Keaton (1951- ), quien porta un traje completamente negro y moderno.

El logo vuelve a encontrarse en el pecho, destacando en el traje. El cinturón le da un toque más ochentero.

En la cinta Batman Forever (Joel Schumacher, 1995) protagonizada por Val Kilmer (1959- ) utilizaron dos trajes: el primero se denominó “Panther Suit”, el cual se centra en un diseño anatómico que marca los pectorales, músculos y pezones. El logo sigue en el pecho, pero la elipse amarilla ya no es tan llamativa. Otra característica notable de este traje es el botón ubicado en el cinturón multiusos, el cual activa una capa a prueba de fuego.

El segundo traje se llamó “Sonar Suit”: es negro platinado con un nuevo símbolo de murciélago. En esta vestimenta, Batman utiliza lentes que le permiten ver con más precisión en la oscuridad o en el deslumbramiento.

A finales de los años 90 se estrenó Batman & Robin (Joel Schumacher, 1997) considerada la peor película de la historia de este héroe. George Clooney (1961- ) fue el encargado de portar un traje totalmente diferente: negro con rebordes plateados en todo el cuerpo; el símbolo ocupa todo el pecho y no tiene cinturón.

Ocho años después se estrenó Batman Begins (Christopher Nolan, 2005), donde Christian Bale (1974- ) porta un traje más obscuro, realista y atormentado. El logo ya es negro; aparece de nuevo el cinturón multiusos, ahora color marrón, y la capa es más obscura que el resto del traje.

En las dos siguientes películas, Batman: The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008) y Batman: The Dark Knight Rises (Christopher Nolan, 2012), la vestimenta oscura es más funcional, ligera y con menos armadura, mientras que el símbolo casi desaparece en el traje al ser del mismo color.

Finalmente, en Batman vs. Superman: Dawn of the Justice (Zack Snyder, 2016), protagonizada por Ben Affleck (1976- ), vemos un traje gris con el símbolo gigante en el pecho y los guantes negros, además de que el cinturón es más oscuro, dejando de lado los colores llamativos.

* Karen Edith Ponce Ramírez es prestadora de Servicio Social en Promotoría Cultural.

 

Esta colaboración se publicó de manera impresa en mayo de 2019, edición 181 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.
Categoría(s): DE RODAJE EN RODAJE

POR  JOSÉ ALFREDO FLORES ROCHA

A las seis de la tarde se levantó de la cama y se puso los zapatos y la corbata. En el baño se echó agua en la cara y se peinó el cabello corto y negro. No tenía por qué rasurarse; nunca había tenido mucha barba y una rasurada le duraba tres días. Se puso una poca de agua de Colonia Yardley, volvió al cuarto y del buró sacó la cuarenta y cinco. Revisó que tuviera el cargador en su sitio y un cartucho en la recámara…El saco era nuevo y el sastre había hecho un buen trabajo; casi no se notaba el bulto de la pistola bajo el brazo, sobre el corazón.

El complot mongol
Rafael Bernal (1969)

Durante décadas, el cine ha basado sus guiones en la literatura. En nuestro país no son pocas las obras que han sido llevadas a la pantalla grande, no todas con éxito. Sin embargo, haciendo un repaso breve de la cinematografía nacional, encontramos casos notables.

Basta recordar la novela Los bandidos del Río Frío, de Manuel Payno, adaptada dos veces. La mítica cinta Santa, llevada al cine en cuatro ocasiones; Los de abajo, de Mariano Azuela, sin dejar de lado La sombra del caudillo, de Martín Luis Guzmán.

En la segunda mitad del siglo XX destacan: Ensayo de un crimen, de Rodolfo Usigli, llevada al cine de manera magistral por el director español Luis Buñuel. Y qué decir de Macario, obra literaria de Bruno Traven adaptada en 1960 o de Pedro Paramo y El gallo de oro del gran escritor Juan Rulfo.

A la lista se deben sumar Aura y Gringo viejo, ambas de Carlos Fuentes; La feria, de Juan José Arreola; Los albañiles, del escritor y dramaturgo Vicente Leñero; Los recuerdos del porvenir, de Elena Garro; El apando, de José Revueltas; Dos crímenes, de Jorge Ibargüengoitia; Arráncame la vida, de Ángeles Mastretta, hasta llegar a la multipremiada Como agua para chocolate, de Laura Esquivel y dirigida en cine por Alfonso Arau.

A las obras antes citadas es inevitable sumar ahora El complot mongol (1969), destacada novela policiaca y punta de lanza en la historia literaria de nuestro país, al inaugurar la denominada novela negra mexicana, llevada a la pantalla grande por primera vez en el año de 1978 por Antonio Eceiza.

En 2019, el realizador y guionista Sebastián del Amo regresa con una nueva versión que resulta un bálsamo en la cartelera de primavera, una luz al final del túnel que intenta posicionar al cine nacional en las marquesinas de las grandes cadenas exhibidoras, ante la abrumadora presencia de los estrenos de películas de superhéroes de corte internacional.

La cinta respeta, en esencia, el argumento central de la novela de Rafael Bernal. A unos días de su estreno ha despertado entre la crítica versiones encontradas.

Para quienes hayan leído la divertida y picante novela será una versión que se toma sus licencias literarias para provocar en el espectador la carcajada fácil. Sin embargo, más allá de ello, descubrirán un tratamiento adecuado de la trama, con actuaciones por demás sobresalientes y una ambientación digna.

La historia policiaca y de intriga internacional se desarrolla en el barrio chino de la Ciudad de México, teniendo como marco la llamada Guerra Fría entre las dos súper potencias mundiales: Estados Unidos y la entonces Unión Soviética.

En medio de todo este embrollo quedan Martita Fong, personaje interpretado por Bárbara Mori, quien resulta una grata sorpresa y el experimentado agente Filiberto García, encarnado magistralmente por Damián Alcázar, quien junto con agentes foráneos intentará descubrir el supuesto complot chino que tiene como misión asesinar al presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy, en su visita a México. En papeles especiales y secundarios destacan: Eugenio Derbez, Xavier López “Chabelo” y Hugo Stiglitz.

El complot mongol termina por rescatar no sólo lo mejor de la novela negra mexicana,  sino uno de los géneros literarios que han quedado relegados por los productores y directores nacionales, que han centrado sus esfuerzos en comedias que dejan mucho que desear, con guiones hechos al vapor e interpretaciones de baja calidad.

Bienvenidos sean estos proyectos cinematográficos que intentan lograr un producto de calidad, que si bien no tiene mayores pretensiones que la de entretener, también nos dejan un poco de ese México que parece olvidado, que se niega a morir en las cantinas, restaurantes, barrios y calles de la gran Ciudad de México.

Esta colaboración se publicó de manera impresa en mayo de 2019, edición 181 del boletín informativo CINEADICTOS, de la Coordinación de Difusión Cultural de la FES Acatlán.

Ambulante 2019 en la FES Acatlán

POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO

Ambulante Gira de Documentales cumple 14 años como el espacio más importante en nuestro país para la proyección y difusión del cine documental, género que devela historias ancladas en la experiencia, posee un gran valor como memoria y patrimonio inmaterial.

Esta labor ininterrumpida, principalmente ha permitido que el público tenga acceso a filmes que probablemente nunca vería, pues no es común que se les abra espacio en cadenas de cine comercial o en televisión.

Es innegable que estos materiales contribuyen a generar nuevos conocimientos entre los espectadores quienes, después de ser testigos de las historias retratadas en pantalla, tienen la posibilidad de transformar su rol: de audiencia pasiva, en público mejor informado y con puntos de vista críticos respecto de los temas expuestos.

Los días 13 y 14 de abril, en el Auditorio 1 de la FES Acatlán, se presentarán: En sus hombros (Alexandria Bombach, EU. 2018); Disparos (Rodrigo Hernández Tejero / Elpida Nikou, México – España. 2018); América (Erick Stoll, Chase Whiteside. EU. 2018) y El silencio de otros (Almudena Carracedo / Robert Bahar. España – EU. 2018). De los títulos señalados tres pertenecen a la sección Resistencias (historias sobre justicia y memoria) y uno a Pulsos (cine mexicano).

Destaca la presencia de El silencio de otros, ganadora del premio Goya 2019, la cual se centra en los testimonios de sobrevivientes de tortura durante la dictadura de Francisco Franco en España y cuya directora, Almudena Carracedo, estará presente en la FES Acatlán, para llevar a cabo una sesión de preguntas y respuestas.

En 2019 Ambulante ha tenido como concepto temático las ilusiones ópticas, con objeto de reanimar una conversación central para el cine documental: su vocación como evidencia visible y tecnología que genera un juego de percepción, de magia e ilusionismo. Ha propuesto, con éxito, una conversación sobre las posibilidades de lo real y la épica de lo cotidiano.

También ha logrado establecer las bases para realizar radiografías de hechos presentes o del pasado, abiertas a distintas interpretaciones. Es momento de ser testigo de una parte de este caleidoscopio de ilusiones que nos muestra la realidad compleja y cambiante.

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Muestra Internacional de Cine. Edición 66

POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO

Llega el momento de ser testigos de la edición 66 de la Muestra Internacional de Cine, un encuentro con grandes obras que retratan distintas miradas y preocupaciones de directores contemporáneos, cuyas historias dan cuenta de la maestría de sus experimentados autores y cuya calidad ha sido reconocida en los festivales más importantes a nivel internacional.

La selección para la Muestra la determina su propuesta autoral y los temas ahora son: injusticia social, lazos familiares, éxito profesional, conflictos laborales, clasismo, prejuicios, deseos de venganza, crímenes de honor, matrimonio forzado, violencia, racismo y la complejidad de las relaciones interpersonales. Destaca la carga histórica o su aspecto de “basada en hechos reales”.

Sin duda, las 11 cintas que podremos ver en el Teatro Javier Barros Sierra del Centro Cultural Acatlán presentan una particular visión del mundo y refrendan su valía como filmes “de arte”, que contribuirán a educar, formar gustos y público que aprecie el cine de excelencia.

México está representado por dos películas, los otros filmes provienen de Francia, Brasil, Portugal, Rusia, Hungría, Bélgica, Austria y Japón. En la Muestra, espectadores nuevos y experimentados encontrarán motivos para asombrarse con lo más reciente, celebre o polémico de la industria cinematográfica internacional.

La camarista (Lila Avilés, México, 2018), se centra en una dinámica casi voyerista para conocer la vida de una joven empleada de un hotel de lujo en la Ciudad de México. Sus exitosas presentaciones en los festivales de Morelia, Toronto y La Habana la respaldan.

La casa junto al mar (Robert Guédiguian, Francia, 2017), trata de la inmigración ilegal y cuenta asuntos de legado familiar que, en realidad sirven, para que el director reflexione sobre el paso del tiempo y la vejez junto a los actores y actrices que crecieron con su filmografía. Se presentó en los festivales de Venecia, San Sebastián y fue nominada por la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia.

María por Callas (Tom Volf, Francia, 2018), presenta un homenaje a quien fuera considerada una “rock star” de la ópera, diva a la que ahora se tiene cercanía gracias a un documental que reinterpreta a la emblemática artista. Resignifica la figura de la intérprete con una exhaustiva búsqueda de primera voz y le concede la posibilidad de descifrar el mito o leyenda en que fue convertida.

En guerra (Stéphane Brizé, Francia, 2018), alude al conflicto que enfrentan ahora los empleados con sus dirigentes y también a los apremios del sistema empresarial contra los obreros. Desde la óptica del director hay una guerra contra los trabajadores y ahora que Francia enfrenta las protestas de los llamados Chalecos Amarillos, es momento de voltear la mirada a este tipo de movimientos sociales. Fue estrenada en el Festival de Cannes.

Plaza París (Lúcia Murat, Brasil-Portugal-Argentina, 2017), retrata conflictos sociales en Río de Janeiro, ciudad fracturada por la violencia. A partir de la relación entre dos mujeres de diferentes clases sociales, guía al espectador por un mundo complejo, pero también pleno de comprensión y ternura. Por esta película Murat ganó el premio a Mejor Director en el Festival Internacional de Río de Janeiro.

Leto (Kirill Serebrennikov, Rusia-Francia, 2018), retoma un evento personal en el que participó su director, para partir de ahí, profundizar en la escena del rock y la convulsión social imperante en San Petersburgo antes de la Perestroika, durante los años 80. La protagonizan músicos que descubren, casi de contrabando, a Lou Reed, Bowie y Blondie. Fue premiada en el Festival de Cannes.

Ocho de cada diez (Sergio Umansky, México, 2018), recoge una estadística sobre la violencia y la impunidad en nuestro país; siguiendo esta idea cuenta la historia de una pareja agredida que busca justicia. Plantea la cultura del miedo, poco abordada en la pantalla grande. Ganó dos premios en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

Atardecer (László Nemes, Hungría-Francia, 2018), logra advertir un momento caótico y violento que acabaría con el sueño de la vieja Europa, en específico lo ocurrido en Budapest durante 1913, con el principio de la descomposición del Imperio Austro-húngaro. Se adentra en la suciedad moral tras la pompa aristocrática y el poder económico.

La boda (Stephan Streker, Bélgica-Pakistán-Luxemburgo-Francia, 2016), expone los choques culturales y generacionales de una familia paquistaní que se divide entre las costumbres del mundo occidental y oriental. El drama se desarrolla en una ciudad gris, con emociones contenidas, donde se expone una metáfora de la dignidad humana que lucha por sobrevivir a pesar de la patética realidad.

Angelo (Markus Schleinzer, Luxemburgo-Austria, 2018), muestra el origen, ascenso y decadencia de Angelo Soliman, esclavo desde los 10 años y sirviente en la casa de los príncipes de Liechtenstein. Ofrece una perspectiva álgida del racismo de la Europa del siglo XVII. Recientemente ganó tres premios de la Comisión de Cine de Austria.

Asako I & II: Soñar o despertar (Ryûsuke Hamaguchi, Japón-Francia, 2018), se inspira en la historia de una joven que se enamora de dos personas idénticas con diferente personalidad en dos momentos de su vida. La búsqueda de identidad y de estabilidad emocional guían este peculiar filme, considerado “diferente” entre las comedias dramáticas o románticas.

Es momento de ver las películas que más han llamado la atención en la escena internacional. Seamos testigos de lo que trae esta vez la Muestra.

 

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CineAdictos, publicación periódica de la Coordinación de Difusión Cultural, nació en noviembre de 2000. Incluye reseñas de películas, trayectorias de actores, directores, críticas, comentarios sobre los principales festivales, entrevistas, avances técnicos y aspectos de los distintos géneros cinematográficos. El material impreso se distribuye entre la comunidad de la FES Acatlán; a partir del semestre 2015-II extiende sus alcances con el blog de CineAdictos. Espacio abierto a los interesados en la divulgación del séptimo arte.

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