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El referente cinematogr\u00e1fico de la Edad Media m\u00e1s reconocido recae en las costosas producciones de habla inglesa con grandes batallas, exuberantes dise\u00f1os de producci\u00f3n y detallados vestuarios. Hollywood y Gran Breta\u00f1a se han encargado de establecer un est\u00e1ndar rom\u00e1ntico, fant\u00e1stico y de ensue\u00f1o, al referirse al cine medieval; pareciera que el Medievo s\u00f3lo fue de caballeros templarios, damas angelicales y grandes batallas. Por un momento se logra borrar de la historia un malestar de la humanidad: el oscurantismo.<\/p>\n
En el otro Medievo \u2013el sombr\u00edo y pesimista\u2013 el hombre no era un eterno virtuoso, ni tampoco caballero con f\u00e9rreas convicciones del amor cort\u00e9s; ambas caracter\u00edsticas fueron aprovechadas por el S\u00e9ptimo Arte para exponer al individuo en su naturaleza m\u00e1s simple: la delgada l\u00ednea que separa lo humano de lo \u201cbestial\u201d.<\/p>\n
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El primer gran personaje medieval del cine fue Juana de Arco, con dos versiones mudas: Jeanne d\u00b4Arc<\/strong><\/em> (Juana de Arco<\/strong><\/em>, 1900), de Georges M\u00e9li\u00e8s y La passion de Jeanne d’Arc<\/strong><\/em> (La pasi\u00f3n de Juana de Arco<\/strong><\/em>, 1928), del director dan\u00e9s Carl Theodor Dreyer; ambas obras maestras, la primera por tratarse de un trabajo hist\u00f3rico realizado por uno de los fundadores del cine y la segunda por abordar visualmente la condici\u00f3n humana mediante una hero\u00edna.<\/p>\n La Juana de Arco de Dreyer posee una puesta en escena simple, con escasos decorados, siendo el principal recurso est\u00e9tico el sufrimiento y la resignaci\u00f3n en el rostro de Maria Falconetti. Por primera vez, el Medievo no se abordaba mediante mallones y castillos de utiler\u00eda; hab\u00eda adquirido un sentido m\u00e1s existencial, que comenzaba con la visualizaci\u00f3n de la m\u00e1s grande rivalidad del hombre: contra Dios. Lo inevitable de la muerte y la imposibilidad del hombre para cambiar su destino, de forma inquietante y perturbadora, fue una constante en el cine de Dreyer que culmina con el misticismo de Johannes Borgen en Ordet<\/strong><\/em> (1955).<\/p>\n Ha sido tal el impacto de la belleza de la redenci\u00f3n de la dama de Orleans que directores como Lars Von Trier han producido su filmograf\u00eda alrededor del martirio femenino en la trilog\u00eda El coraz\u00f3n dorado: Breaking the waves<\/strong><\/em> (Rompiendo las olas<\/strong><\/em>, 1996), Idioterne<\/strong><\/em> (Los idiotas<\/strong><\/em>, 1998) y Dancer in the Dark<\/strong><\/em> (Bailando en la oscuridad<\/strong><\/em>, 2000).<\/p>\n En 1938, Sergei M. Eisenstein viaja al siglo XIII para mostrarnos una memorable batalla sobre un lago invernal en el largometraje Alexander Nevsky<\/strong><\/em>. Tomas generales y segundos planos de caballeros cabalgando a la batalla sobre el agua. Los combatientes parecen flotar en el aire mientras el cielo espera la aniquilaci\u00f3n de unos por otros. La composici\u00f3n de las im\u00e1genes y el montaje evidencian la peque\u00f1ez del hombre, quien quedar\u00e1 borrado por el tiempo; adem\u00e1s, se vislumbran discursos anticlericales y la antesala de la Segunda Guerra Mundial.<\/p>\n Ya en el cine sonoro, Orson Welles comenz\u00f3 a filmar profundas revisiones de la obra shakesperiana con la adaptaci\u00f3n de Macbeth<\/strong><\/em>, en 1948. El director estadounidense crea a un Macbeth primitivo, en escenarios cavernarios y oscuros, donde el cielo, eternamente borrascoso, no permite un contraste con lo terrenal, como si esperase ansioso la ca\u00edda del tirano. El hombre del d\u00e9cimo siglo es expresionista, desde la visi\u00f3n de Welles.<\/p>\n La respuesta italiana lleg\u00f3 con Francesco, giullare di Dio<\/strong><\/em> (Francisco, juglar de Dios<\/strong><\/em>, 1950), de Roberto Rossellini -en colaboraci\u00f3n con Federico Fellini-; una propuesta desde el neorrealismo italiano que expone las vivencias de la primera comunidad franciscana. La aportaci\u00f3n no es muy novedosa, pero s\u00ed muy significativa para el t\u00f3pico: la cotidianeidad del hombre en tiempos de oscuridad; el acercamiento a la intimidad de un hombre que, en el fondo, sabe de la inexistencia de Dios. Dentro de la cinematograf\u00eda italiana tal vez no era un tema trascendental, pero fue el inicio de la creaci\u00f3n de personajes mortificados por su existencia, un reflejo de la soledad del siglo XX, desde las voces del Medievo.<\/p>\n <\/p>\n El cine no est\u00e1 obligado a retratar la historia, pero si puede contribuir, mediante la fantas\u00eda, a la construcci\u00f3n del presente, como sucede, por ejemplo, con la filmograf\u00eda del director sueco Ingmar Bergman, especialmente en Det sjunde inseglet<\/strong><\/em> (El s\u00e9ptimo sello<\/strong><\/em>, 1957). En esta cinta, Antonius es un cruzado de regreso a casa que se encuentra con la muerte y, para ganarle tiempo, la enfrenta en un juego de ajedrez.<\/p>\n La cinta fue filmada en la Europa de la posguerra, trastornada por los constantes cambios pol\u00edticos y sociales de mediados de Siglo XX. Ante la espera del Apocalipsis, la visi\u00f3n de este soldado no distaba mucho de la de los europeos contempor\u00e1neos. Antonius recorre lugares desolados por la peste y el fanatismo religioso, que lo confrontan con la eternidad y su imposibilidad de encontrar la felicidad.<\/p>\n El temor a la muerte es superado por el miedo al amanecer en El s\u00e9ptimo sello<\/strong><\/em>, ya que \u00e9ste representa el dolor de asumir la inexistencia del m\u00e1s all\u00e1; en el fondo, todos saben que no existe Dios y es s\u00f3lo una idea consoladora. Ignorancia y fe representan la mejor soluci\u00f3n.<\/p>\n Similar experiencia se manifiesta en Andrey Rublev<\/strong> <\/em>(1966), cinta del director Andrei Tarkovsky, pero aqu\u00ed la cuesti\u00f3n no es divina, sino art\u00edstica. Rublev est\u00e1 consternado por no hallar la verdadera funci\u00f3n del arte en la fr\u00e1gil e indispensable humanidad.<\/p>\n Jerzy Kawalerowicz estren\u00f3 en Cannes su largometraje Matka Joanna od aniol\u00f3w<\/strong><\/em> (Madre Juana de los \u00c1ngeles<\/strong><\/em>, 1961), donde enfrenta dos conceptos: perversi\u00f3n y virtud. En este filme, el padre Jozef, interpretado por Mieczyslaw Voit, debe oficiar exorcismos en un convento habitado por monjas pose\u00eddas. Su radicalismo radica en la cr\u00edtica a los personajes virtuosos y la falsa santidad de la Iglesia cat\u00f3lica. Jozef representa una s\u00e1tira de los caducos modelos cristianos de santidad, sin importar el da\u00f1o que cause a los \u201csiervos\u201d; incluso las monjas \u201cendemoniadas\u201d se enfrentan a la burla y profanaci\u00f3n de aquel mundo en las manos de Dios.<\/p>\n No obstante la cr\u00edtica a la existencia del m\u00e1s all\u00e1 y la temible otredad, el cine segu\u00eda teniendo una pulcritud neocl\u00e1sica, hasta la llegada de un cineasta y su propuesta sobre el oscurantismo: el checo Frantisek Vl\u00e1cil. En su pel\u00edcula Marketa Lazarov\u00e1<\/strong> <\/em>(1967) expone la lucha entre dos familias de delincuentes involucrados en el asalto a una caravana real. El l\u00edder del clan opuesto, un guapo e implacable bandolero, rapta y ultraja a Marketa, una virgen aspirante a monja. Al final, el personaje femenino decide rechazar, para siempre, el mundo conventual y el carnal. La hero\u00edna se convierte en un ser incierto y sin destino.<\/p>\n Ondrej, protagonista de \u00dadol\u00ed vcel<\/strong><\/em> (El valle de las abejas<\/strong><\/em>, 1968), se encuentra ante la misma disyuntiva: la imposibilidad de ser hombre y Dios, condenado a vivir errante en un mundo cuadrado y sin matices. Ambas pel\u00edculas est\u00e1n ambientadas en territorios salvajes y clericales, con encuadres arm\u00f3nicamente proporcionados y una misma propuesta: la insoportable belleza de lo divino.<\/p>\n A\u00f1os m\u00e1s tarde Pier Paolo Passolini, con otra visi\u00f3n, aborda una Edad Media m\u00e1s limpia y colorida, pero m\u00e1s ca\u00f3tica en la psique colectiva. Las pel\u00edculas Il Dec\u00e1meron<\/strong><\/em> (El Decamer\u00f3n<\/strong><\/em>, 1971) y I racconti di Canterbury<\/strong><\/em> (Los cuentos de Canterbury<\/strong><\/em>, 1972), basadas en textos picarescos medievales, muestran un paralelismo con la actualidad respecto a la simultanea fascinaci\u00f3n y desd\u00e9n por la sexualidad. Dios ya no es prioritario; ahora es el hombre quien debe descubrir su placer mediante la perversi\u00f3n, la cual ha dejado de ser demoniaca y es cada vez m\u00e1s humana.<\/p>\n En Lancelot du Lac<\/strong> <\/em>(1974), de Robert Bresson, la frustraci\u00f3n por no encontrar el Santo Grial provoca los infortunios de Lancelot. Aqu\u00ed, Bresson concluye con un discurso abordado en todas las pel\u00edculas ambientadas en el Medievo, desde Juana de Arco hasta las desgracias de un caballero y que sirve para sintetizar lo plasmado por diversos cineastas: La modernidad ha disfrazado el oscurantismo, con todo el dolor que representan lo cotidiano y la muerte, que persistir\u00e1 en la mente del hombre hasta el d\u00eda en que sea abierto el s\u00e9ptimo sello\u2026<\/em><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" POR IRVING JAVIER MART\u00cdNEZ GONZ\u00c1LEZ De la redenci\u00f3n de Juana de Arco al nacimiento de los jesuitas El referente cinematogr\u00e1fico de la Edad Media m\u00e1s reconocido recae en las costosas producciones de habla inglesa con grandes batallas, exuberantes dise\u00f1os de producci\u00f3n y detallados vestuarios. 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<\/p>\nDel juego de ajedrez con la muerte a los infortunios de Lancelot<\/h3>\n
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