POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO
Durante más de tres décadas, la Muestra Internacional de Cine ha sido uno de los principales referentes entre los ciclos de cine de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán, en gran medida porque el Centro Cultural Acatlán fue uno de los primeros recintos universitarios donde se comenzó a exhibir el circuito de la Muestra en la zona metropolitana.
Cada una de las ediciones permitió a diversas generaciones de acatlecos y de público externo, tener de cerca esa mirada especializada a lo mejor de las producciones recientes, premiadas o distinguidas, en los principales festivales dedicados a reconocer lo mejor del Séptimo Arte.
Cuestiones tecnológicas de exhibición y luego la pandemia por Covid 19, (con todas las consecuencias negativas de ese periodo), llevaron a la Coordinación de Difusión de la FES Acatlán a tomar la decisión de quedar fuera del ciclo de exhibición de la Muestra Internacional de Cine.
Este año ha sido posible volver a tener en el Campus lo mejor del cine a través de la Muestra e indudablemente los siete títulos que llegan a la sala del Teatro Javier Barros Sierra contribuyen a educar, forman gustos y, sobre todo, público que aprecia el cine de excelencia.
Con estas proyecciones se busca refrendar el compromiso, con espectadores nuevos y experimentados, para que se asombren a lo más reciente, lo más célebre o lo más polémico de la industria cinematográfica internacional.
La selección de filmes de la edición 75 de la Muestra Internacional de Cine se encamina a generar el debate con objeto de entender mejor los conceptos que definen a la sociedad. Cineastas nuevos y consagrados se han dado a la tarea de enfrentar los cambios de una industria obligada a adaptarse a diversas realidades, entre ellas los gustos del público cinéfilo y la evolución narrativa.
Las y los realizadores, como se podrá apreciar en cada uno de estos filmes, ahora han debido sumergirse en procesos que ayuden a desarmar conceptos que antes se creían absolutos o tajantes, como en los casos de familia, moralidad, éxito y amor; han comprendido que es momento de retratar, con nuevas historias, ya sea de manera sorprendente o por el contrario, con absoluta sobriedad y claridad discursiva, cuestionamientos sociales, filosóficos e incluso políticos.
En Pequeños peces la belleza se centra en la sencillez, en la renuncia a escenografías y en la historia de tres personajes protagónicos que brillan, que sorprenden por las relaciones que los conectan, que crecen y se desarrollan a lo largo de una especie de montaña rusa donde van emergiendo sus verdaderas naturalezas y motivaciones.
Valentina o la serenidad va de lo individual y lo pequeño a lo colectivo y universal. Cuenta una historia desde la óptica infantil, sin melodramas. Se sostiene en su propio tiempo, en el libre tránsito de los sentires, la muerte, el duelo y la desesperanza. Ritmos pautados enmarcan una tristeza que no carcome ni sepulta, pero sí aletarga.
El maestro jardinero refrenda el estilo de un director para el que redención, peligro, amor y tormentas personales dan sentido a su cine. Es el cierre de una trilogía de historias de hombres de mediana edad torturados por su pasado, que resulta en una experiencia enriquecedora, muy encaminada a satisfacer a espectadores exigentes.
La frontera verde nos recuerda que lo menos que podemos hacer por los miles de migrantes que salen de sus países buscando un mejor futuro, es saber de ellos, atestiguar su resistencia y lo que enfrentan para atravesar bosques, ríos, mares y desiertos; reconocer que son víctimas de perversos políticos, descubrir las metáforas que esconden violencia y muerte.
Joyland proviene de un país con valores ultraconservadores y destaca por un estilo visual que resulta cautivador; también por asumir un compromiso social y mostrar la disidencia sexual, los discursos de identidad de género y la confusión de roles.
Aquí no hay villanos ni opresores, solamente un mundo incierto en estado de transición social y generacional. Una historia equilibrada en diversión y tristeza, cine queer matizado, más ocupado en los detalles del deseo transgénero.
Culpa y deseo encuentra sus referentes en otras películas que se centran en las relaciones de hombres jóvenes con mujeres mayores, sin enfrascarse en la tragedia de Edipo. Es una versión en más atrevida en la forma en que deja de lado el aspecto moralista y convencional, en la negativa de su directora por culpar a cualquiera de las partes involucradas.
Desafía la óptica masculina y privilegia el placer femenino desde la postura de la protagonista, que añade su experiencia personal y profesional para salirse con la suya y, de paso, como si pidiera al público espectador que se identifique primero con su crimen y luego con el encubrimiento, sabiendo premeditadamente que goza de una intimidad ilícita y racionalizada.
20,000 especies de abejas es, ante todo un estudio sobre la familia y sus dependencias; un filme que arma un relato emocionante y tierno imitando la delicadeza de una abeja en busca de polen.
Observa el microcosmos de mujeres de varias generaciones ocultando momentos turbios de su pasado, acostumbradas a la inercia de la vergüenza y el pudor que les impide vivir plenamente. Ahora deben enfrentar con valentía un gran cambio, el de una de sus integrantes que asume una nueva identidad de género.
El cine francés, entre los de mayor seriedad mundial
POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO
Parafraseando uno de los títulos que integran la edición 27 del Tour de Cine Francés, Un trabajo serio, la industria cinematográfica de Francia representa “un trabajo muy serio”, debido a su importancia en términos económicos. Como referente, tomemos nota del reporte 2022 de Unifrance (posterior al fin de ciclo de la pandemia) que revela ganancias por 167,4 millones de euros en el extranjero, los que se deben sumar a los 367,5 millones de euros obtenidos ese mismo año en el mercado interno, donde el número de espectadores se sitúa en 59,1 millones. Ganancias más que atractivas como modelo de negocio.
Como podrán apreciar, amables lectores, no es casualidad que la presencia de esta filmografía nos acompañe año tras año, pues Francia, además de ser la cuna del cine, es uno de los países donde mejor está regulada la producción de la industria del entretenimiento, a la que se le da toda la seriedad que requiere y no dádivas ni apoyos pírricos.
Las autoridades de Cultura y del Centro Nacional del Cine y la Imagen Animada, que desde 1946 es el organismo del Estado encargado de implementar un política pública al servicio de la diversidad cultural y la prosperidad económica, así como financiar la producción cinematográfica y audiovisual, lejos están de ceder a presiones de grandes empresas como Disney, que este año ha querido obligarlos a reformar las leyes de distribución, “amenazando” con estrenar directamente en streaming sus películas más importantes a menos que se reformen las reglas del “juego”.
Para Francia, país que siempre ha preponderado su identidad cultural, en este negocio hay mucho qué ganar y poco qué ceder ante las grandes empresas productoras. Baste recordar que en 2020 se realizó una reforma general del sector audiovisual para equilibrar las inversiones de las plataformas de streaming en producciones locales: esta medida fue equiparable en importancia a la ley sobre venta de libros de 1981, orientada a proteger a los pequeños libreros, fijando el precio único en todo el país.
América Latina representa, para la industria cinematográfica de Francia, alrededor del 12 por ciento del mercado extranjero; México encabeza la región, seguido por Bolivia, Chile, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela, países donde son atractivas aventuras, comedias, animación, dramas, thrillers, fantasía, terror, ciencia ficción, biopics, cine bélico, historia y documentales provenientes de la filmografía francófona.
La edición 27 del Tour de Cine Francés, como ya es costumbre, es el resultado de una exigente curaduría que permite exhibir en México los mejores títulos de reciente estreno.
En la Facultad de Estudios Superiores Acatlán se exhibirá Azúcar y estrellas, la cual ganó el Premio al Mejor Largometraje de la IX edición del Cinema Jove de Valencia, 2023.
Muy en el estilo de los sabores de la cocina francesa, que por momentos pueden ser muy intensos y en otras muy sutiles, el director Sébastien Tulard presenta los “ingredientes” de su película y deja en la critica la impresión de que le ha faltado el justo equilibrio para transmitir la pasión del protagonista por la elaboración de los alimentos, pues prepondera la belleza de la fotografía.
El libro de las soluciones se estrenó en la Quincena de los Cineastas, en el Festival Internacional de Cine de Cannes 2023.
Michel Gondry refrenda la confianza que le caracteriza al momento de hacer lo que le de la gana sin importar el qué dirán e integra una oda a las distracciones, a esa necesidad de dejar pasar el tiempo para ver si llega la inspiración o seguir dejando más proyectos archivados, pues sugiere que en esos pendientes, más que en las cosas terminadas, es donde se pueda encontrar el alma del artista.
Recuerdos de París fue seleccionada para la Quincena de los Realizadores del 75? Festival de Cannes.
A la directora Alice Winocour se le ha reconocido por su capacidad para mostrar una desgarradora historia con la mayor sencillez posible, por utilizar un diseño de sonido estridente en lugar de imágenes espeluznantes con objeto de transmitir el horror durante un ataque armado; también por el atinado uso de puntos ciegos, los cuales resultan clave para desorientar a la protagonista y al público espectador.
Un trabajo en serio se presentó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Thomas Lilti vuelca nuevamente su interés en personas que brindan su servicio a la sociedad, en este caso los profesores de escuelas de educación pública, a quienes rinde homenaje con un puntual retrato de las otras caras de su profesión.
Miente conmigo ha recorrido diversos festivales en las secciones LGBTI+, destacando en el Festival Internacional de Cine de Mallorca y recientemente en el Mumbai International Queer Film Festival 2023.
Olivier Peyon constata, con esta adaptación, que la homofobia persiste. Muestra un poco de historia y sumerge a su protagonista en recuerdos, felices y dolorosos, para ofrecer un retrato realista.
Un nuevo comienzo presenta a una pareja en la plenitud de su vida que deben reencontrarse y dar sentido a su existencia.
Mi crimen es una de las películas más interesantes del cine actual, por la lista de histriones consagrados, con el sello de François Ozon y con la cual cierra este Tour en el Teatro Javier Barros Sierra.
La Universidad Nacional Autónoma de México, a través de Cultura UNAM y la Dirección General de Actividades Cinematográficas, presenta la Gira del Festival Internacional de Cine UNAM FICUNAM 2023, conformada por 25 títulos nacionales e internacionales.
La decimotercera edición ofrece una gran variedad, dividida en diferentes secciones, cuyo objetivo principal es mostrar distintas formas de contar historias, así como presentar vertientes del lenguaje cinematográfico.
La Gira FICUNAM 2023 se exhibe en diversas sedes, tanto de México como de otros países, durante los últimos cuatro meses del año, en foros alternativos, salas de arte, cineclubes, espacios públicos y, por supuesto, en recintos culturales de la Máxima Casa de Estudios.
Como ya es una tradición, el Centro Cultural Acatlán se suma a este esfuerzo de difusión del séptimo arte con la presentación de: La Colonial y M20 Matamoros Ejido 20.
Este encuentro representa para el público universitario un espacio excepcional para apreciar cine de arte y difícilmente será posible apreciarlo en salas del circuito comercial. Celebremos que nuestra Facultad recibe este tipo de propuestas, las cuales contribuyen en la formación integral de nuestra comunidad estudiantil y enriquecen las experiencias de la comunidad externa aledaña.
21 de noviembre . 13:00 horas . Auditorio Miguel de la Torre
LA COLONIAL
Dirección: David Buitrón Fernández
México, 2022, 70 minutos
La historia se sitúa en una de las colonias más antiguas de la Ciudad de México, La casa colonial se convierte en una especie de refugio para aquellos que, ante la adversidad, marginación y soledad han hecho de sus paredes y techo su hogar.
Recrea el día a día de hombres que trabajan y deambulan por la gran urbe, sin tener un lugar fijo a donde pernoctar. Se trata de una estampa cautivadora, cruda y nostálgica de la sociedad contemporánea, filmada en blanco y negro, con lo que se busca capturar la esencia de la vivienda y sus habitantes. Una eficaz manera de trasladar la estética del pasado al presente, otorgándole a la película un sentido evocador a la Época de Oro del Cine en México.
21 de noviembre . 18:00 horas . Auditorio Miguel de la Torre
M20 MATAMOROS EJIDO 20
Dirección: Leonor Maldonado
México, 2023, 87 minutos
Retrato de la vida de los habitantes de Matamoros, Tamaulipas, ciudad envuelta en la falta de oportunidades, corrupción política, migración y presencia del crimen organizado en colonias y barrios donde ciudadanos se aferran a la posibilidad de una vida mejor.
Muestra el trabajo de un grupo de danzantes que, con sonaja en mano, baila al ritmo pulsante de los tambores, recuperando el espíritu de la danza prehispánica. Sus integrantes se congregan para liberar la carga emocional que traen consigo, en un intento por darle un sentido diferente al lugar donde habitan y a los estereotipos masculinos que los definen. Visibiliza a la danza como el camino para encontrar la sanación al daño provocado por la violencia, en la frontera norte de nuestro país.
Auditorio Miguel de la Torre
Agosto de 2023
Miércoles 23 al sábado 26
POR: NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO. *
El Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México vuelve a tener a la Facultad de Estudios Superiores Acatlán como una de sus sedes de exhibición y abarca una atractiva proyección de filmes que refrendan la invitación para adentrarse en títulos con historias que guían por el suspenso.
Imágenes, relatos, discursos, ambientación, animación, iconografía, interpretaciones de actrices y actores, entre muchos otros elementos, cumplen con la meta de infundir miedo en los espectadores.
A gran parte del público cinéfilo no le es muy atractivo el género, pero para otro gran número sí lo es y es importante no pasar por alto la objetividad y con ella identificar qué hace del cine de horror algo tan atractivo para muchos espectadores e incluso dibujantes, fotógrafos y cineastas jóvenes (y no tanto) siguen y siguen muy interesados en generar nuevos productos audiovisuales que incrementen la ya amplia lista de títulos de este género.
La invitación ahora es para perder el miedo, no decir “ya no vuelvo a ver cine de horror” o “ya no quiero saber nada de lo que contaba tal o cual historial”, pues es preponderante reconocer que se trata de una manifestación artística. En términos más personales, admitir que es otra forma de explorar el lado oscuro que cada quién tiene para reconocer esos miedos que de repente acosan y se prefieren no ver. El cine de horror puede ser un espejo en el cual identificar situaciones para superar los propios miedos.
La agenda de presentaciones en la FES Acatlán abarca cuatro días, pero el programa del Festival, en una veintena de sedes, incluye un homenaje a Juan López Moctezuma, director de “La mansión de la locura”, conferencias con realizadores de películas en competencia, acercamientos con integrantes de diversas instituciones universitarias para presentar novedades del género y presencia de cortometrajes de México en el Día Macabro, entre muchas otras.
Cinéfilos de la FES Acatlán aquí podrán consultar nuestra cartelera; la cita es en el Auditorio Miguel de la Torre.
Agosto 23 13:00 h.
Animacabro vol. 666
¡Animacabro ha vuelto! El sexto volumen de las animaciones más escabrosas muestra un poco de todo: Santa Claus asesinos, leyendas tradicionales, los horrores del mar y hasta un par de abuelitas dispuestas a soltar bala a diestra y siniestra. Duración: 103 minutos.
Los Cuervos
Dir. Héctor Dávila Carrera. México, 2022, 8 minutos.
En algún lugar de México, a principios del siglo pasado. Un terrateniente ha lanzado una extraña maldición en contra de los lugareños. El hechizo consiste en una macabra oscuridad que ha cubierto las tierras. Durante aquella noche eterna, una tormenta se desata sobre la mansión.
Santa Claws
Dir. Sergio Acuña Medina. Chile, 2021, 6 minutos.
Es Navidad y Darwin desea darle una sorpresa a su madre. Sus esfuerzos no rinden frutos y por ello se embarca en una aventura por conseguir aquel anhelado regalo.
Middle Watch
Dir. John Stevenson & Aeisha Penwarden. Reino Unido, 2022, 12 minutos.
Atormentado y aterrado por el conflicto y la pérdida, un marinero debe enfrentar los traumas de la guerra y los misterios de las profundidades, mientras resiste otro cambio en el horario nocturno en el puesto de vigía.
La vieja y el cuervo
Dir. María Lucía Bayardo. México, 2023, 5 minutos.
Una niña ve que una vieja toma unas gotas de una poción hecha con algo que le entrega el cuervo… la vieja vuelve a ser una niña pequeña.
Deadline
Dir. Idan Gilboa. Israel, 2023, 12 minutos.
Una historia que explora el balance entre la burocracia, muerte y la devoción hacia los felinos de las personas mayores, una amistad valiente y de solidaridad entre dos ancianas hartas de la indiferencia y falta de respeto de la sociedad.
Emme y sus días mutantes
Dir. Diego Acevedo, México, 2023, 14 minutos.
Emme, a sus 12 años de edad sobrevive sola en un mundo post apocalíptico donde la vegetación y los animales mutaron monstruosamente. Sabe que la alteración también le está afectando y busca con desesperación una forma de curarse.
Wooden Mirror
Dir. Sergi Sánchez. España-Italia, 2022, 12 minutos.
Ambo es el príncipe de un reino en el que rigen tareas específicas e indiscutibles: todos los hombres son guerreros y defienden las fronteras del reino, todas las mujeres son enfermeras y curan a los hombres heridos.
Red Rabbit
Dirección: Rory Kerr. Irlanda, 2022, 4 minutos.
Un conejo antropomórfico no consigue encontrar paz ni relajarse en casa. Estos intentos son arruinados por un destructivo demonio que encuentra satisfacción en arruinar cualquier oportunidad de tranquilidad.
La melodía torrencial
Dirección: José Luis Saturno. México, 2022, 6 minutos.
Un pueblo en plena sequía confía su destino a un músico errante que tiene el poder de atraer lluvia con la música de su acordeón.
The Sprayer
Dirección: Farnoosh Abedi. Irán, 2022, 9 minutos.
En la tierra ocupada por el ejército de “Los Rociadores”, nadie tiene derecho a cultivar cualquier tipo de planta, ya sea en público o privado. Muchas personas y soldados no saben cómo crece o luce una planta hasta que un día, uno de los soldados encuentra una semilla enterrada en el polvo y su curiosidad es solo el comienzo de algo extraordinario, algo grande, algo revolucionario.
Skinned
Dirección: Joachim Hérissé. Francia, 2022, 15 minutos.
En un viejo edificio en medio de un pantano, viven dos extrañas mujeres, gemelas siamesas unidas por una pierda. De noche, una de ellas tiene terribles pesadillas en donde ve como la carne de su hermana, empieza a cubrir su propio cuerpo.
Agosto 23 18:00 h.
Presentación del Concurso de Cineminutos:
60 segundos antes de la medianoche
Macabro, en colaboración con la FES Acatlán, llevó a cabo el Primer Concurso Universitario de Cineminutos, mismos que serán recopilados en una antología con todos los trabajos inscritos.
Agosto 24 13:00 h.
Desde Canadá con horror
No hay nada de amabilidad en estas historias que manchan de sangre a la hoja de maple. Son más bien como el golpe tira dientes de un jugador de hockey. Duración 79 minutos.
Please Eat Organic
Dirección: Jacob Thompson. Canadá, 2023, 12 minutos.
Un grupo de hippies que alberga a un desertor cruza su camino con una familia de menonitas fundamentalistas.
VRDLK
Dirección: Sam Chou. Canadá, 2022, 13 minutos.
Un diplomático queda atrapado en medio de una ventisca, forzándolo a refugiarse con una pobre familia serbia. Cuando le advierten de “bestias” que cazan de noche, tacha sus miedos de superstición y cuentos de hadas, un error que no tendrá oportunidad de cometer dos veces. Basado en la novela gótica de Aleksey Tolstoy, “La familia del
Vurdalak”.
Demon Box
Dirección: Sean Wainsteim. Canadá, 2023, 14 minutos.
Un director revisa su cortometraje muy personal acerca del trauma, suicidio y el Holocausto y lo transforma en una dolorosa y divertida disección de la película y su vida.
Blood Line
Dirección: Richard Rotter. Canadá, 2023, 14 minutos.
Una mujer lucha por cuida con su padre adicto a la sangre mientras intenta llevar su propia vida.
AI Artist
Dirección: Dani Barker & Jessey Nelson. Canadá, 2023, 9 minutos.
Después de descubrir su pasión por el arte hecho con inteligencia artificial, un hombre enfrenta la compulsión por crear monstruos que van más allá de la pantalla de su computadora.
In the Heat
Dirección: Sam Chou. Canadá, 2022, 17 minutos.
El arresto de un hombre que afirma ser Santa Claus, por el asesinato de un niño, lleva a los oficiales a descubrir una historia más bizarra y terrorífica de lo que esperaban.
Agosto 24 18:00 h.
¿Quién se ríe ahora?
Si el infierno es un Call Center definitivamente no queremos ir allá. Pero si es la parte trasera de un videoclub donde se reúnen todos los íconos del cine, anótenos ahí. Esta selección te hará salir con una sonrisa, al menos hasta que te pongas a pensar si todo a tu alrededor es una simulación… Mucho ojo. Duración 92 min.
Sylvie Made It
Dirección: Adrien Orville. Bélgica, 2022, 23 minutos.
En el infierno, los muertos trabajan en Call Centers bajo la ilusión de ganarse un lugar en el cielo al complacer a los vivos. Esto no justifica las ganancias para algunos, excepto cuando sus seres queridos desaparecen repentinamente en el cielo.
Backroom Blues
Dirección: Andreas Kyriacou. Chipre, 2022, 13 minutos.
Tres amigos preadolescentes idearon el gran atraco noventero: ¡infiltrarse en el mítico cuarto trasero de la tienda de videos del barrio!
El sueño de la mariposa
Dirección: Andrés Aloi. Argentina, 2023, 20 minutos.
Impresionado por la perfección de su vida privilegiada, Franco, un joven y exitoso empresario tecnológico, reflexiona si está viviendo en una simulación.
Bad Boy Buck
Dirección: James Fitzgerald. Irlanda, 2022, 21 minutos.
Tras una aventura de una noche con otro hombre, un granjero casado intenta ocultarle lo ocurrido a su familia, mientras la verdad lo llevará hacia un punto sin retorno.
The Smile
Dirección: Erik van Schaaik. Países Bajos-Bélgica, 2022, 15 minutos.
Cuando Knud llegó a América, era solo un joven cocodrilo. Él empezó siendo una curiosidad en las fiestas de su dueño, un rico productor de cine. Pero cuando comienza a interpretar pequeños papeles en películas series B, pronto se convierte en el rey del cine de horror. Con su irresistible encanto de cocodrilo, Knud le devolvió la sonrisa al cine de horror.
Agosto 25 13:00 h.
Suck
Dirección: Rob Stefaniuk. Canadá, 2009, 91 minutos.
The Winners es una banda de rock sin éxito alguno hasta que un día, su bajista tiene un amorío con un vampiro y a partir de este momento desborda un carisma sexual sobre el escenario que atrapa a todo el público. No todo será tan sencillo, pues la fama no es solo sexo, drogas y rock and roll, menos cuando son el blanco de un cazador de vampiros, Eddie Van Helsing. En este filme participan leyendas de la música como Alice Cooper, Henry Rollins, Iggy Pop y Moby.
Agosto 25 18:00 h.
ESTRENO
Episode 13
Dirección: Yogesh Raut. India, 2023, 92 minutos.
El equipo de noticias de empresa de televisión se dispone a descubrir la verdad detrás de una familia reclusa que vive en un remoto pueblo de Maharashtra y que se ha encerrado durante ocho años. A medida que comienzan a registrar cada momento, eventos extraños y aterradores comienzan a desarrollarse, poniendo en peligro la supervivencia del equipo y cuestionando su comprensión de la realidad.
Agosto 26 18:00 h.
ESTRENO
O Porao da rua do Grito
Dirección: Sabrina Greve. Brasil, 2023, 90 minutos.
Jonas y Rebeca, dos hermanos huérfanos, viven en una mansión en decadencia en la Calle del Grito junto a su abuela discapacitada y un niño misterioso que mantienen en el sótano de la propiedad. Rebeca quiere dejar atrás el pasado y seguir adelante, pero Jonas se resiste, atormentado por los llantos y susurros de los secretos familiares que durante generaciones se mantuvieron ocultos dentro de su casa.
Agosto 26 18:00 h.
Daddy’s Girl
Dirección: Julian Richards. Estados Unidos, 2018, 81 minutos.
Una joven mujer mantenida cautiva por su padrastro se convierte en el objetivo de una vigilante femenina.
* Editor del boletín informativo CineAdictos.
POR XIMENA MONTSERRAT FARRERA FERNÁNDEZ *
Para los fanáticos de Spider-Man en sus versiones animadas, la espera de cinco años llega a su fin con el estreno de Spider-Man: Across the Spider-Verse, la más reciente producción de Marvel y Sony Pictures Animation, dirigida por Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin Thompson; en ella se muestran centenares de spideys (arácnidos) provenientes de distintos universos, los cuales participan en una nueva lucha multiversal. De estas aventuras es la segunda en su tipo y desde ahora se ha anunciado que en el futuro contará con una tercera entrega.
Spider-Man: Across the Spider-Verse llama la atención, por ser una de las películas animadas de mayor duración en Occidente, con 2 horas y 20 minutos. Para su realización se optó por la técnica de animación de su predecesora, la cual combina los formatos del 2D y 3D, y evoca la estética de los cómics de Marvel. En las nuevas secuencias y la realización de lo que en el cine se identifica como el arte, destaca la participación de talentosos animadores mexicanos.
La primera película de la saga multiversal animada, Spider-Man: Into the Spider-Verse fue estrenada en 2018, bajo la dirección de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman; resultó exitosa tanto en taquillas como por la buena recepción de la crítica. Recordemos un poco de la historia de este humano con dotes de arácnido.
Miles Morales, adolescente seguidor de Spider-Man, es mordido por una araña radioactiva que le otorga poderes, los mismos del héroe al que admira. A partir de esa noche, con sus nuevas habilidades y distintas versiones del lanzatelarañas, enfrenta a Kingpin, antagonista y villano que, cegado por el deseo de recuperar a su familia crea un acelerador de partículas capaz de acceder a universos paralelos. Miles Morales logra detener a Kingpin y cada spidey (arácnido) regresa a sus respectiva dimensión.
A diferencia de los cómics, la película retoma el concepto del argumento central, que consiste en la conversión de distintas versiones de Spider-Man que se unen para detener un mal mayor (en los cómics se trata de Morlun y su familia, pero aquí se trata de Kingpin).
En esta segunda parte de la historia se descubre que Gwen Stacy, la mejor amiga de Miles Morales, también le interesa como novia y juntos completan la misión de salvar al multiverso de un nuevo villano que es capaz de causar un desastre catastrófico.
Viajando a través del espacio-tiempo, Miles se encuentra con un equipo de élite conformado por la Spider-People, encargados de proteger su propia existencia y la de sus universos, algunos de ellos son Spider-Man 2099; Spider-Woman; Spinneret y Spiderling; Marvel’s Spider-Man PS4; Spiderman manga; Superior Spider-Man y Spider-Punk; Spider-Cop, entre otros; en total son 240 personajes.
A pesar de que los héroes tienen historias parecidas que los unen en la telaraña que teje las líneas entre cada universo, tienen diferencias respecto a cómo manejar la nueva amenaza. Por esta razón Miles Morales se enfrenta a las otras arañas, teniendo choques principalmente con el líder de la agrupación Miguel O’Hara/Spider-Man 2099.
Sin embargo, el verdadero enemigo a combatir es The Spot (La Mancha), poderoso villano con la habilidad de teletransportarse con un cuerpo completamente blanco cubierto de manchas circulares negras. De acuerdo con el codirector Kemp Powers, The Spot es el principal antagonista en el futuro arácnido. Adicionalmente, se observa a Miles Morales envuelto en una lucha interna en busca de redefinir lo que para él significa ser un héroe para salvar a las personas que más ama.
El arte y desarrollo visual de la primera película de Spider-Man: Into the Spider-Verse fue merecedora de numerosos galardones, entre ellos premios Oscar, premios Annie (galardones que entrega la International Animated Film Association) y Globos de Oro por Mejor Película de Animación. Por su revolucionario estilo cómic, con una combinación de formatos en 3D y la animación tradicional, así como su desarrollo visual inmersivo, se convirtió en una de las mejores adaptaciones del personaje.
Debido al camino que trazó la primera parte de esta saga, Spider-Man: Across the Spider-Verse es más ambiciosa y cuenta con un equipo selecto de animadores digitales. De hecho, se contrataron a distintos artistas de cómics como Rick Leonardi (cocreador de Spider-Man 2099), Kris Anka (quien rediseñó a Spider-Woman en 2014), Sanford Greene (cocreador del webcomic 1000) y Brian Stelfreeze (ilustrador de Marvel’s Black Panther en 2016). Con su participación, los artistas conceptuales tuvieron una guía para lograr una mejor representación del medio impreso en la pantalla grande.
Si bien la primera película tiene un estilo de animación que domina gran parte del largometraje, esta cinta cuenta con seis estilos de animación distintos. Los universos que se visitan en la película fueron diseñados para parecer que cada uno fue dibujado por un artista diferente. La intención es sorprender a la audiencia y marcar límites cada vez que los personajes cruzan a otro entorno, cada uno con sus propias reglas y técnicas específicas de animación.
Por ejemplo, la Tierra 65, que es el universo de Spider-Gwen, fue diseñada para parecer pinturas de acuarela en conmemoración del estilo artístico distintivo en los cómics del personaje. Para ello, el equipo creativo desarrolló un simulador que les permite generar el efecto de las acuarelas y utilizó una paleta visual que refleja las emociones de Gwen. No se trata de un simple “filtro” que aplica el efecto de acuarela sobre las escenas, sino que dicho estilo se ve reflejado en otros factores como la paleta de colores, movimientos de cámara e iluminación y la perspectiva.
Otro de los espacios alternativos es la Tierra 50101; para su diseño el equipo creativo se basó en la serie de cómics Spider-Man: India de Gotham Entertainment Group. Asimismo, se dio un vistazo del mundo de Marvel 2099 con una ciudad futurista de Nueva York que está basada en las ilustraciones neofuturistas de Syd Mead. Otro universo es la Tierra 138, habitada por Hobart “Hobie” Brown de Daniel Kaluuya, también conocido como Spider-Punk.
El diseño de The Spot es uno de los más interesantes y difíciles para su creación. A pesar de ser un villano poco conocido, Dos Santos señaló que lo eligieron debido a su peculiar apariencia y diseño, que les permitiría jugar con la animación, además de que The Spot tiene múltiples manchas en el cuerpo, las cuales funcionan como portales interdimensionales, lo que es una gran herramienta para ser el antagonista del Spider-Verse.
El proceso de animar a este personaje fue dinámico, pues evoluciona a medida que toma el control de sus habilidades; primero con un estilo que parece boceto inacabado de un artista de cómics antes de entintar. Los portales de The Spot se diseñaron para provocar el efecto de parecer tinta viva que se había derramado o salpicado en el dibujo del cómic, lo cual va totalmente ligado a la intención de imitar el estilo artístico de las historietas como texturas, colores, recuadros y onomatopeyas (representación de sonidos no discursivos).
De acuerdo con lo expresado por el codirector Kemp Powers, el equipo de Sony Pictures Imageworks desarrolló, en aproximadamente un año, la herramienta utilizada para animar de manera independiente todas las manchas del personaje. De esta forma, se logró que parecieran gotas brillantes de tinta que se mueven a lo largo de todo el cuerpo.
Spider-Man: Across the Spider-Verse cuenta con el equipo de animadores más grande jamás reunido, según ha dicho Chris Miller, escritor y productor del largometraje. Como ya se mencionó, varios artistas mexicanos están involucrados en este proyecto, al menos 40 compatriotas que, con su talento y trabajo, se están convirtiendo en un referente para los artistas visuales a nivel internacional.
Entre estos artistas mexicanos destacan Miralda Medina y Cruz Antonio Contreras: Miralda Medina tiene 26 años de edad y es originaria de León, Guanajuato. Después de trabajar algunos años en empresas mexicanas se mudó a Vancouver, Canadá, y actualmente trabaja para Sony Pictures. En Spider-Man Across The Spider-Verse se desempeñó en el área de composición: se encarga de crear la imagen final de un shot o plano tomando los diferentes materiales digitales que se han creado previamente y los monta para crear una escena que contenga todos los elementos finales necesarios.
Cruz Antonio Contreras tiene 32 años de edad y es originario de Iguala, Guerrero. Ha trabajado en distintos proyectos tanto de películas animadas como live-action, incluyendo La liga de la justicia, Hotel Transilvania y Angry Birds 2. Actualmente reside en Canadá y se desempeña en Sony Pictures como artista CFX, área dedicada a lograr la adecuada caracterización o animación de los personajes. Trabajó en ambos filmes de Spider-Verse animando la ropa y el cabello de los personajes.
Otros mexicanos que forman parte del equipo de animación en Across the Spider-Verse son: Héctor Torres, originario de Coahuila (Character Rigging); Katia Cisneros, nacida en Jalisco (Animación 3D); Isaac Miranda, oriundo de Morelos (Motion Graphics/Matte Painting); Rosa Castillo, procedente de Michoacán (Lightning/Composición) y Leticia Maycotte, nativa de Coahuila (CFX).
Sin duda, esta es una película con un sello de calidad marcado en cada fotograma animado. Queda abierta la invitación a adentrarse en las aventuras de Spider-Man: Across the Spider-Verse y, de paso, disfrutar del talento de muchos mexicanos inmersos en el arte de esta película.
* Estudiante de la Licenciatura en Comunicación en la FES Acatlán e integrante del Programa de Servicio Social Acatlán Contigo (Promotoría Cultural).
POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO
Mark Anthony Luhrmann, director de cine reconocido simplemente como Baz Luhrmann, nació en septiembre de 1962. Debido a que su infancia transcurrió en Herons Creek, Nueva Gales del Sur, Australia, se suele referir a este sitio para ubicar su nacimiento, pero es originario de Sydney.
Ocupa nuestra atención por el éxito obtenido con Elvis, filme que ocupó la anterior entrega en el Blog de CineAdictos y con el que Baz luhrmann refrendó su estilo maximalista, repleto de escenas teatralizadas, con escenografías que deslumbran, personajes románticos, pasión desbordada, incluso irracional, con personajes que se dejan llevar por torbellinos emocionales.
En Elvis, al igual que en otras de sus películas, Baz Luhrmann provoca la reunión de referentes artísticos y culturales de antaño con música, opulentos vestuarios con suntuoso maquillaje, elaborado diseño de producción e interesantes interpretaciones histriónicas que quedan en la memoria de los espectadores, gracias a constantes acercamientos a los rostros de los protagonistas.
Otro aspecto siempre presente en el cine de Luhrmann es que en sus historias los personajes viven intensamente, los deja ser felices hasta que la tragedia, inevitablemente, los alcanza. Ya sea en historias de ficción o realidad, el desenlace conlleva a lo que los críticos llaman “puñalada final”.
No obstante que Luhrmann ha realizado televisión, ópera, teatro y música, en este recorrido sobre su estilo, nos centraremos exclusivamente en sus trabajos cinematográficos.
Con Strictly Ballroom (1992), su opera prima, presentó a un grupo de actores australianos prácticamente desconocidos (Paul Mercurio, Tara Morice, Bill Hunter y Pat Thomson). Es la historia de un bailarín profesional que debe hacer pareja con una joven inexperta. La trama, de lo más básica, sigue los altibajos detrás del concurso de baile (por supuesto la fortuna sonríe a los audaces) y permitió a Luhrmann obtener su primer éxito y premios entre los que destacan el BAFTA por Mejor Diseño de Vestuario, Banda Sonora Original y Diseño de Producción.
Representó para el entonces joven director la primera oportunidad de estar en festivales como Cannes, (en 2022, prácticamente a la par del estreno de Elvis, se cumplieron tres décadas de su debut en las grandes ligas) y así llamó la atención de productores de Hollywood, quienes detectaron su talento para llevar a escena números musicales con desbordante imaginación visual.
En 1966, ya establecido en Estados Unidos, Baz Luhrmann irrumpió en la escena internacional con Romeo + Juliet, teniendo como protagonistas a Claire Danes y Leonardo DiCaprio, nada menos el rostro juvenil del momento, en un drama clásico conocido por la mayoría del público. El principal atractivo de este filme radica en la manera de contar algo que de antemano ya se sabe cómo termina, pero ambientado de otra manera.
Los Capuleto y los Montesco se mantienen en el periodo isabelino, con los diálogos y texto originales de William Shakespeare, pero Verona tiene todo el aspecto de Miami Beach de mediados de la década de los años 90, con la estética de una ciudad futurista, plena de imágenes potentes, con emblemáticos escenarios que se ubican en la Ciudad de México y escenas de acción filmadas en el puerto de Veracruz.
En Romeo + Juliet Luhrmann llamó mucho la atención de la crítica especializada al presentar en la pantalla grande la estética de video con adaptaciones para el cine y no a la inversa. Con objeto de aclarar este punto acotemos:
Para ese momento, las filmaciones se realizaban con complejos procedimientos de impresión, uso de iluminación, revelado con químicos, integración de audio, efectos y sonidos. En contraparte, el video y el llamado “videocine” recurría al uso de cintas electromagnéticas para la reproducción de imágenes y sonidos.
Las diferencias se identificaban en los aspectos técnicos, aunque la estética era abismal en el resultado final. Durante años, muchos realizadores pretendieron hacer películas simulando la calidad de imagen de cine con técnicas de video, principalmente motivados por los bajos presupuestos y recurrieron a complejos trucos técnicos para lograrlo.
La calidad de imagen del cine siempre fue mejor que la del video o la televisión, e incluso el cine transferido a video, mediante procesos digitales, obligaba a realizar correcciones de color en las tomas. En resumidas cuentas, el video llevado al cine obligaba a ajustar múltiples defectos, especialmente para mejorar las fotografías, pues las películas siempre ofrecen más contraste, capturan mayor cantidad de detalles, presentan alta saturación de color y tienen capacidad superior para manejar las variaciones de luz.
Valgan estas explicaciones para comprender por qué Luhrmann, aun teniendo a su disposición todo el equipo de filmación profesional, prefirió dar a Romeo + Juliet aspectos estéticos de menor calidad visual intencionalmente, para remarcar ese “aire noventero” que hizo suspirar a miles de jóvenes con la tragedia clásica juvenil por excelencia y permitió a Leonardo DiCaprio posicionar su carrera histriónica, tras ganar el Oso de Plata por Mejor Actor.
En 2001 Luhrmann estrenó Moulin Rouge, comedia con tintes de drama romántico, ambientada en 1900. Sus protagonistas son Nicole Kidman y Ewan McGregor, a quienes acompañan John Leguizamo, Richard Roxburgh y Jim Broadbent, un “combo” de buenos actores con los que se puso en escena uno de los mayores y mejores ejemplos de cine musical.
Es la historia de Christian, joven escritor poeta que abandona Londres y se traslada a París para desarrollar su profesión, en plena época de efervescencia cultural. Llega al barrio bohemio de Montmartre, donde conoce a Henri Toulouse-Lautrec y éste le presenta el estilo de vida del lugar, donde la mayoría de las actividades giran en torno al emblemático centro nocturno Moulin Rouge.
El ambiente musical, las luces y el arte circundante representan múltiples distracciones para Christian, a lo que se suma su encuentro con Satine, la estrella del Moulin Rouge, de quien se enamora perdidamente, pero ella tiene prohibido relacionarse sentimentalmente y el melodrama desborda la pantalla.
Para el público y crítica especializada no quedaban dudas de las ambiciones de “grandeza” de Luhrmann; de su interés en presentar espectáculos posmodernos con abundante brillantina, maquillaje y colores premeditadamente exagerados, en la aparente vanidad injustificable que enmarca historias imprevisibles, plenas de creatividad. De este título, a los cinéfilos mexicanos nos quedó muy presente la participación de la diseñadora de producción germano-mexicana Brigitte Broche, pues obtuvo un Oscar por la ambientación en que colocó esta historia de época en París.
En 2008 estrenó Australia, aventura romántica que ocurre al comenzar la Segunda Guerra Mundial y tiene en los roles protagónicos a Nicole Kidman y Hugh Jackman. Kidman interpreta a Sarah Ashley, aristócrata inglesa dueña de una hacienda ganadera en Australia, quien viaja a Londres para confirmar la infidelidad de su marido, pero al llegar enfrenta la noticia de que ha sido asesinado. Al volver al rancho debe unir fuerzas con un capataz local (Jackman) para conservar las tierras que ha heredado.
Aunque al principio ambos comparten sus antipatías, el contacto se suaviza cuando Sarah se debe hacer cargo de un joven mestizo, huérfano y marginado. Juntos, se embarcan en un largo viaje por paisajes bellos e implacables, se enfrentan al bombardeo de la ciudad de Darwin por las fuerzas japonesas que atacaron Pearl Harbour.
Aquí Luhrmann da rienda suelta a la ambición de filmar historias que podrían llamarse “de largo aliento”, pues ocupa casi tres horas para desarrollar la película y con ello rebasa los estándares de la mayoría de las películas comerciales, pues se sabe perfectamente que el público lo pensará más de una vez para comprar boletos de una cinta que pase de las dos horas.
En Australia narra la construcción de su país natal, pero desde el género del Western, muy común en el cine de Hollywood, por lo tanto, con abundantes referencias de cómo explorarlo; Luhmann lo adapta de una manera muy personal, por momentos con excesivos movimientos de cámara, siguiendo sus propios preceptos da mayor peso a las imágenes y no tanto a los diálogos.
Cometió fallas narrativas, no obstante que las actuaciones son impecables, en su estilo, considerado “barroco y ampuloso”, da total peso a los paisajes, escenarios y ambientación. Pareciera que poco le interesó conectar al público con la historia de los protagonistas, provoca sensaciones de insatisfacción entre los espectadores, quienes solamente atinan a destacar los maravillosos escenarios y lo importante de ese periodo histérico.
Los resultados fueron buenos, se colocó como la tercera más taquillera en la historia del cine australiano, después de Crocodile Dundee (Peter Faiman, 1986) y Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015). Obtuvo galardones por el arte, efectos visuales y vestuario, pero no fueron suficientes para convencer a los críticos, que la vieron como un filme menor.
Para 2013, ya repuesto de las críticas negativas, entrega The Great Gatsby, drama romántico para el que llama de nuevo a Leonardo DiCaprio, en ese momento un actor ya muy famoso, y lo acompaña el no menos taquillero Tobey Maguire, seguido de Carey Mulligan, Joel Edgerton y Amitabh Bachchan.
Luhrmann logra una memorable adaptación de la novela homónima de F. Scott Fitzgerald, de 1925, de la que destacan actuaciones, la banda sonora, elaboradas coreografías, estilo visual y en general una dirección impecable, pero de nueva cuenta las críticas se enfocaron en el hecho de que pudo “hacer más” con tan buenos histriones.
La estética de The Great Gatsby lleva a los espectadores por la opulencia de una vida llena de riquezas, pero también al vacío, a la incapacidad del protagonista por conservar para si el amor.
El derroche en las fiestas, vestuarios y ambientación, difícilmente se olvidan luego de haberla visto; queda presente esa sensación de ociosidad ante tanto lujo, pero en permanente soledad que se compensa con objetos en viviendas ?nicas, tan lejanas al grueso de los testigos de esta historia. No quedan fuera del filme ninguno de los temas que caracterizan la novela.
Después se involucró en proyectos publicitarios y en trabajos o asignaciones especiales para cadenas de televisión, hasta que en 2022 regresa con Elvis, un proyecto que nació en 2014, retomó en 2019, cuando Tom Hanks aceptó interpretar al coronel Tom Parker; comenzó a filmar en 2020, coincidiendo con la pandemia por Covid 19, la cual casi aniquila el proyecto.
Luhrmann aprovechó el largo receso impuesto por la situación sanitaria para volver al guion, reestructurar la primera parte, alterando la historia original, que pasó de ser lineal a una más sofisticada en la que explora magistralmente el flashback. Es una película donde vuelve a presentar elaboradas coreografías y deslumbrantes escenografías que requirieron de largos procesos de creación.
Elvis Presley (Austin Butler) y su representante Tom Parker (Tom Hanks), resultan personajes incuestionables en su desarrollo actoral para explicar el proceso en que se fue creando esta leyenda del Rock, pero el Elvis de Luhrmann se centra en la fuerza artística, en sus orígenes impregnados de blues y gospel, géneros que escuchó desde niño en las comunidades afrodescendientes donde creció.
Cada quien tiene su versión Elvis y el de Luhrmann se posiciona en la industria del espectáculo y su fijación por ser un artista diferente. No se trata de una biopic en el estricto sentido del género, sino de un retrato de lo bueno, lo malo y lo feo que Estados Unidos le dio a Elvis, el artista y al hombre.
Con Elvis, Luhrmann sigue su línea de director maximalista, grandilocuente, destacando los espacios en que sitúa a sus personajes. Pone más atención en los detalles, con los cuales ayuda a conocer a una estrella que usaba maquillaje, camisetas tejidas sin mangas, cabello largo, delineador en los ojos, pero no dejaba de lado su masculinidad.
No pasa por alto ningún detalle de la estética, como tampoco de la inocencia en muchos de sus actos, cómo es que fue llevado por un sendero de perversión a la fama, las decepciones que enfrentó y su agonía.
El gran negocio y espectáculo que representa Elvis Presley sirven de pretexto para explorar el mundo de ensueño de Las Vegas, centro de entretenimiento por excelencia. Aunque no se trata estrictamente de un musical, traslada al público a disfrutar de emblemáticas interpretaciones y a refrendar su estilo como cineasta.
Fusiona lo clásico con lo moderno; prepondera los aspectos visuales sobre los narrativos; agrupa múltiples referentes sobre distintas épocas; da mucho peso e importancia a los aspectos de la música y de las canciones acompañadas de coreografías; ejecuta continuos movimientos de cámara y cambios drásticos de encuadres.
Tal vez la vertiente de mayor recurrencia en el cine de Luhrmann es el entretenimiento de lo ya visto o ya conocido, pero de forma más espectacular: como ya se mencionó, el público sabía del triste final de Romeo y de Julieta, pero aún así su filmación atrajo a una nueva generación a un clásico de la literatura; Moulin Rouge, Australia, The Great Gatsby y Elvis siguen la línea de contar hechos que ya se conocen de antemano, pero son atractivas por estar contadas de una manera muy particular, con el “toque” Luhrmann, algo que pocos cineastas logran, su propio sello de autor y si usted, amable lector(a) tiene dudas, recuerde cómo identifica a Federico Fellini, a Tim Burton o a Wes Anderson, por mencionar algunos de los cineastas de ese selecto grupo.
POR JOSÉ ALFREDO FLORES ROCHA
Elvis Presley es, hasta nuestros días, icono de la industria musical; gracias a su talento y carisma marcó toda una época. Sus canciones y presentaciones son recordadas por diferentes generaciones de seguidores alrededor del mundo. El culto a la personalidad del cantante ha dado lugar a cientos de historias que se tejen a su alrededor, muchas de ellas rayan en lo fantástico, Sin embargo, se mantienen y son reproducidas en lo colectivo.
Tras el fallecimiento de Elvis Presley en 1977 comenzó la creación de su leyenda. Personalidades de los todos los ámbitos lamentaron la partida del “Rey del Rock”. Había muerto, según el reporte médico, de un infarto agudo al miocardio; el dictamen sería confirmado después por la necropsia que se le practicó.
Declaraciones como la de Jimmy Carter, Presidente de Estados Unidos, nos dan una idea muy clara de lo que en su momento representó la partida de uno de los más grandes ídolos de la música: “Elvis, cambió para siempre el rostro de la cultura popular estadounidense”.
Sobre este gran cantante se han escrito miles de páginas en periódicos, revistas, libros, blogs, sitios de internet, también han filmado cientos de horas en cine, grabaciones para radio, televisión y ahora plataformas digitales. De ahí que, lograr una aproximación tanto a la persona y al artista que dieron origen al mito, resulta todo un reto para la producción que intervino en la filmación de Elvis (2022), filme dirigido por el aclamado director, Baz Luhrmann, autor de largometrajes que son referente dentro de la cinematografía. Basta recordar títulos como El gran Gatsby (2013) y Moulin Rouge (2001).
En los albores del siglo XXI, resulta prácticamente obligado preguntarse qué más faltará saber sobre esta estrella musical. La respuesta no es sencilla, pareciera de inicio que todo está dicho. Sin embargo, no es así, este tipo de personajes o figuras del espectáculo, que se construyen en el imaginario colectivo, gozan de matices que los hacen únicos y atractivos para la realización cinematográfica.
Sus historias, a manera de melodramas, cuentan con los elementos suficientes para la elaboración de trabajos biográficos que parecen no agotarse con el paso del tiempo, por el contrario, se magnifican y salen a la luz nuevos elementos que son explotados por la industria del entretenimiento.
El largometraje sobre la vida de Elvis es una producción al mero estilo de Hollywood. Una apuesta millonaria que Warner Bros rodó en plena pandemia. Contó con la participación de los actores Austin Butler y Tom Hanks, este último ganador de dos Premios Oscar.
Histriones que finalmente les dieron excelentes dividendos, tanto en el terreno actoral como en el comercial. Cabe mencionar que, en su primer fin de semana, el filme se convirtió en la cinta más vista en los Estados Unidos, superando las expectativas que se tenían sobre su estreno.
La historia, basada en la leyenda del rock, pone especial énfasis en los inicios de su carrera y la relación musical que guardó con su productor, Tom Parker, personaje clave en el éxito musical del intérprete. Es probable que, sin el impulso de su mentor, Elvis Presley no hubiese tenido la proyección internacional.
Más allá del impecable trabajo de caracterización y recreación de la atmósfera de la época que llevó a la producción a invertir semanas de trabajo y varios millones de dólares está la idea de plasmar las influencias musicales que calaron hondo en el estilo del cantante, que dieron un sello único a cada una de sus interpretaciones.
Entre los géneros que se pueden apreciar destacan country, balada, góspel, blues. Una mezcla poderosa que supo aprovechar en cada uno de sus discos, que lo convertirían en el solista con las más altas ventas en la industria musical, haciéndose acreedor a 14 nominaciones de los Premios Grammy: obtuvo tres de manera directa y una más por su trayectoria.
En la película queda claro que Elvis Presley no fue producto de la casualidad. Se trató de la maquinación de un personaje que no sólo era intérprete y a través de su voz, especialmente las coreografías, dramatizaba las letras de las canciones. Aunado a una inteligente y audaz promoción de su imagen, que explotaba en todo momento el aspecto físico del cantante.
La difusión de su trabajo, como se puede apreciar en este proyecto cinematográfico, se daba por igual en presentaciones en vivo, radio, programas de televisión y desde luego también dentro del Séptimo Arte, que pronto se convirtió en una ventana importante que le permitirá llegar a otro tipo de público y explotar sus cualidades como actor.
Los promotores de Elvis Presley pronto se dieron cuenta que estaban frente a un artista irrepetible que marcaba sus mejores pasos sobre el escenario y se convertía en un espíritu libre al exorcizar los demonios que lo agobiaban constantemente.
En este recorrido cinematográfico, además de sus orígenes musicales, se registran los mejores momentos que vivió como cantante y su declive. Sin pasar por alto temas familiares, vida amorosa y el matrimonio con Priscilla, personaje interpretado de manera magistral por la actriz Olivia DeJonge.
De acuerdo con la prensa especializada, Elvis no sólo se convirtió en un éxito en taquilla, por sus destacadas interpretaciones, sino porque supo colocar en un contexto determinado la vida personal y trayectoria del cantante. El éxito de Elvis y su trascendencia en el ámbito musical responden a una época en la que una figura como él logra romper con los cánones establecidos.
Impuso no sólo modas, sino un estilo de vida que representa el espíritu rebelde de toda una generación y es reproducido en lo sucesivo por diversas estrellas musicales.
Desde el punto de vista cinematográfico, Elvis es un filme que es necesario apreciar desde muchos matices y vertientes, más allá de la admiración que se tenga por el personaje. Se trata de un filme de excelente manufactura que destaca por el montaje escénico e interpretaciones, pero sobre todo por la atmósfera musical que logra recrear.
Es una película que ya se colocó entre los clásicos y referente obligado de las biografías llevadas al cine, sobre todo después que una plataforma de contenido vía streaming la colocó en sus listas, con muy buena aceptación.
POR NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO
El público cinéfilo de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán tuvo el primer acercamiento con el Tour de Cine Francés en México a partir de la sexta edición. Era el año 2002. En esa época el Centro Cultural Acatlán contaba con una amplia oferta en la exhibición del Séptimo Arte y no obstante las múltiples opciones, de inmediato acaparó la atención de espectadores, tanto universitarios como público aledaño, que buscaban una manera diferente en la manera de contar historias para la pantalla grande.
Pronto, por la calidad de directores, histriones y realizadores en general, se afianzó como uno de los encuentros fílmicos más exitosos, así como un referente de los ciclos de cine que caracterizan el último trimestre de actividades en nuestro Campus.
De diversas maneras hemos presentado a los lectores de este boletín informativo detalles del tradicional encuentro con lo más actual del cine galo, ya que el Tour siempre incluye filmes de reciente estreno comercial, pero haciendo énfasis en que se trata de ejemplos selectos de una filmografía rica en contenidos y estructuras narrativas que resultan de una forma diferente de producir, exponer y contar interesantes historias, desde comedias ligeras o con cierta simpleza, pasando por complejos trhillers, sin dejar de lado dramas ficticios o basados en hechos reales.
No podemos pasar por alto la importancia de exhortar a valorar una y otra vez, de la manera más puntual, lo que representa la posibilidad de tener en casa este acercamiento con la cultura francesa en una de sus formas más sublimes: el cine.
Nunca debemos pasar por alto que fue precisamente en Francia donde nació el cine en 1896 y que en ese país la producción de todo tipo de filmes siempre tiene repercusión en el ámbito internacional.
Por momentos la cultura francesa puede parecernos lejana (en gran medida por la gran influencia de Hollywood y sus múltiples productos de entretenimiento), pero Francia cuenta con una oferta muy variada en cine, gracias a que su gobierno apoya a esta industria y abundan los ejemplos tanto de productos comerciales, como del cine de autor.
Para los organizadores, la Embajada de Francia en México y en particular para Nueva Era Films, teniendo a la cabeza a Leopoldo Jiménez, estas 26 ediciones representan la posibilidad de compartir con muchas personas este deleite para los sentidos y recordar las razones para coincidir en este encuentro: el amor al cine y el placer de verlo en la pantalla grande.
En esta edición, la numero 26, la selección de los títulos y la variedad de géneros asegura una experiencia inolvidable, que invita a no perderse ninguna de las películas:
Sylvie Ohayon, más conocida por una sólida trayectoria como escritora de novelas, se adentra en el mundo del cine con Alta costura.
Louis-Julien Petit, director que trabaja continuamente desde 2009, presenta una comedia con tintes dramáticos en La brigada de cocina.
Emmanuel Mouret posee una sólida trayectoria y estilo que se centra en dar suma importancia al lenguaje e incluso, por los diálogos que utilizan sus personajes, ha sido catalogado como “barroco en lo verbal”. Debutó en el 2000 y su más reciente trabajo Crónica de una relación pasajera, reitera su interés continuo en abordar la comedia romántica.
Cédric Klapisch es, sin duda, uno de los realizadores más frecuentes en el Tour de Cine Francés. De él recordamos títulos como Mi vida es un rompecabezas (2013), El viñedo que nos une (2017), Alguien, en algún lugar (2019) y ahora En movimiento, donde aborda un drama en el que no falta ese enfoque de comedia humana que caracteriza su estilo en el que guía a su protagonista para recuperar el camino del éxito y el autodescubrimiento.
Jérôme Salle se ha centrado en explorar el cine de acción, de suspenso e intriga. Kompromat no es la excepción. Resulta sorprendente que se base en un hecho real dramatizado y cuente con la interpretación del destacado histrión Gilles Lellouche.
A Louis Garrel se le reconoce más por su trabajo como actor en títulos como Los amantes regulares (2004), encarnando en 2014 al icónico diseñador Yves Sant Laurent y Un hombre fiel en 2018. Muchas de las películas que dirige también las protagoniza y La cruzada, una comedia ligera, no es la excepción.
Finalmente veremos el trabajo de Clovis Cornillac, conocido en México por Me quiere, no me quiere de 2005. Se trata de otro intérprete que protagoniza sus propios filmes. El mundo según Pierre le sirve para abordar temas serios, envueltos en comedia y fantasía.
El Tour de Cine Francés fue creado en 1997 y a lo largo de estos 26 años de presentaciones ha traído a México 189 películas que han mostrado en nuestro país lo mejor de la cinematografía contemporánea francesa, en su idioma original con subtítulos en español.
Es tiempo de refrendar el compromiso de los cinéfilos de la FES Acatlán para mantener este tradicional encuentro.
RESPONSABLE DE PUBLICACIÓN: NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO
MARTES 15
MARTES 22
MARTES 29
RESPONSABLES DE PUBLICACIÓN: JOSÉ ALFREDO FLORES ROCHA Y NOVEL ALEJANDRO GONZÁLEZ OROZCO
